Angela Kingston rezensiert New Art West Midlands 2015

Die ersten ein bis zwei Jahre nach einem Kunststudium sind entscheidend. Die Studierenden geben in ihrer Abschlussausstellung alles, was sie haben, und sie genießen Unterstützung, Ausrüstung und Kameradschaft. Und dann…

…verschwindet der Boden unter ihren Füßen. Sie müssen es nun als Künstler alleine schaffen. Es ist etwas, das ich selbst durchgemacht habe: wie eine Looney-Tunes-Zeichentrickfigur, die vom Rand einer Klippe gerannt ist, in der Luft schwebend, während die Erkenntnis dämmert und die Zehen nach etwas suchen, um den Sturz zu verhindern. Und für heutige Absolventen wird die Schlucht, über der sie schweben, nicht zuletzt aufgrund ihrer Schulden immer tiefer und breiter.

New Art West Midlands ist eine Ausstellung an mehreren Veranstaltungsorten, die 30 frisch gestartete Künstler aus der Region zusammengebracht und ihnen einen wertvollen ersten Halt verschafft hat. Für den Besucher ist die Belohnung eine Art „Ausstellung als Zeitung“: die Chance, das Hier und Jetzt der zeitgenössischen bildenden Kunst zu sehen.

Wichtige Erkenntnisse

• New Art West Midlands fungiert als Brücke zwischen Kunsthochschule und Berufspraxis und bietet jungen Absolventen eine erste ernsthafte öffentliche Plattform an mehreren regionalen Veranstaltungsorten.
• Die Ausgabe 2015 zeigte 30 frisch gestartete Künstler; die von Sonia Boyce, John Stezaker und Katharine Stout ausgewählte Ausgabe 2016 zeigte Werke von 43 Künstlern.
• Die ausgestellten Arbeiten belohnen ein langsames Betrachten beim zweiten Blick: Mehrere Stücke (Megan Sheridans Squid, James Turners John Millais) täuschen das Auge absichtlich, bevor sie sich in etwas anderes auflösen.
• Das emotionale Spektrum der Ausstellung ist ungewöhnlich breit gefächert, von Lisa-Marie Williams’ Tableau eines familiären Zusammenbruchs bis hin zu den kühleren, konzeptionelleren Interventionen von James Turner.
• Für Sammler und Kuratoren ist die jährliche Ausstellung ein Rechercheinstrument – eine Möglichkeit, die aufstrebenden Talente der Region zu sehen, bevor sie weit verbreitet ausgestellt oder bepreist werden.

Warum der Moment nach dem Abschluss wichtig ist

Die Lücke zwischen dem Abschluss und einer nachhaltigen Praxis ist die prekärste Phase im Leben eines Künstlers. Während eines Studiums ist die Infrastruktur unsichtbar, weil sie überall ist: ein Atelier, für das man nicht bezahlen muss, Techniker vor Ort, eine Kohorte, mit der man streiten kann, von außen auferlegte Fristen und eine Abschlussausstellung mit einem eingebauten Publikum aus Tutoren, Familienangehörigen und Gastkuratoren. Entfernt man das alles auf einmal, ist der Verlust nicht nur praktischer, sondern auch psychologischer Natur.

Was dies für die meisten Absolventen ersetzt, ist ein Flickenteppich: ein Schlafzimmer oder ein gemeinsames Atelier, Teilzeitarbeit und eine selbst auferlegte Disziplin, die von Grund auf neu geschaffen werden muss. Fügt man die Studienschulden und die steigenden Ateliermieten in Städten wie Birmingham hinzu, wird die Rechnung brutal.

Dies ist der Kontext, in dem ein Projekt wie New Art West Midlands von Bedeutung ist. Es löst nicht das strukturelle Problem, aber es unterbricht die Stille genau in dem Moment, in dem ein Künstler am wahrscheinlichsten ganz aufhört, Werke zu schaffen.

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Es lohnt sich, präzise zu benennen, was eine solche Gelegenheit bietet und was nicht:

• Sie bietet: eine Frist, ein professionelles Auswahlverfahren, einen öffentlichen Veranstaltungsort, einen Eintrag im Lebenslauf und – ganz entscheidend – eine Peergroup anderer Künstler auf derselben Stufe.
• Sie bietet: die Erfahrung, Arbeiten in einem Raum außerhalb des Ateliers zu installieren, was eine andere Fähigkeit ist als die Herstellung der Werke.
• Sie bietet nicht: Einkommen, Atelierraum oder eine Garantie auf Repräsentation. Diese bleiben Probleme, die der Künstler selbst lösen muss.

Das Verständnis dieser Unterscheidung ist Teil der Reifung als Praktiker. Eine Gruppenausstellung ist eine Plattform, keine Karriere.

Das Werk lesen: ein Kapitel einer Graphic Novel

Mich fesselt ein Kapitel einer Graphic Novel von Shijie Hai mit dem Titel Sleep Paralysis. Aus der Perspektive des Künstlers erzählt, schildert es den Zustand des Halbwachseins und der völligen Bewegungsunfähigkeit.

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Viele der einzelnen Frames der Geschichte sind mit völliger Dunkelheit, kantigen, psychedelischen Mustern oder einem Lampenschirm gefüllt, der sich an der Decke vervielfacht. Im letzten Bild steht eine eindringliche Bitte: „Denk dran, letztes Mal/ wenn du siehst, wie sich meine Finger in Gold verwandeln/ musst du mich wecken.“

Der Traumzustand des Künstlers hat Zeit und Logik durcheinandergebracht und zudem eine Art Rätsel aufgegeben. Und wie Sigmund Freud vorschlug, enthalten Phänomene wie Träume und Kunst, aber auch Rätsel oder Witze, Mechanismen, die es uns ermöglichen, in das Unbewusste zu blicken.

Finger, die zu Gold werden? Während es auf den ersten Blick um Fleisch und Knochen geht, die zu Metall werden, handelt es sich bei Shijie Hais merkwürdigem Satz sicherlich auch um jene brennende Sehnsucht, die Künstler haben, das, was sie in ihren Händen halten, in etwas mit neuer Bedeutung zu verwandeln – eine mysteriöse Transformation, die für sie so wertvoll ist wie Gold. „Du musst mich wecken?“ Dieser letzte Satz des Kunstwerks scheint mir mit der misslichen Lage der Künstler zu tun zu haben, ein Publikum zu benötigen. Ohne dieses ist das Schaffen von Kunst eine Einbahnstraße, eine Sackgasse – eine Art Lähmung.

Es lohnt sich, bei dieser Interpretation zu verweilen, denn sie benennt etwas, das die Ausstellung als Ganzes vollzieht. Die Graphic Novel ist eine Form, die darauf angewiesen ist, dass der Leser die Seiten umblättert; das Kunstwerk ist unvollständig, bis jemand eintrifft. Das Gleiche gilt für jedes Stück in der Ausstellung. Das Publikum ist kein passiver Konsument des Werkes, sondern ein notwendiger Bestandteil davon.

Die Alchemie des zweiten Blicks

Das Drücken von Megan Sheridans Finger auf den Auslöser ihrer Kamera hat zu genau der Art von Alchemie geführt, auf die Shijie Hais Traum anspielt, und ihr Foto mit dem Titel Squid erregt definitiv meine Aufmerksamkeit – und die anderer Menschen, wie mir beim Besuch der Ausstellung auffiel. Es zeigt einen leuchtend orangefarbenen Außerirdischen mit einem hervortretenden Kopf, kapuzenartigen Augen und einem gegabelten Vorderbein.

Aber schauen Sie noch einmal hin, und das Foto zeigt tatsächlich einen Fischhändler, dem ein Paar Tintenfische vor dem Gesicht hängen, dessen linker Arm verzerrt ist, weil er mitten in der Bewegung eingefangen wurde, während künstliches Licht die Farben seltsam wie in einem Science-Fiction-Film wirken lässt. Es ist herrlich bizarr und beunruhigend. Einer der Juroren, Bedwyr Williams, schreibt, dass es ihn „gleichzeitig aufhorchen ließ und ihm schlecht werden ließ“.

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Dieser doppelte Blick ist eine nützliche Linse für die gesamte Ausstellung. Mehrere Werke hier basieren auf einer bewussten Verzögerung zwischen dem ersten Eindruck und dem Verständnis:

• Megan Sheridan, Squid – liest sich wie Science-Fiction, löst sich als Dokumentation auf.
• James Turner, John Millais – liest sich wie ein bekanntes präraffaelitisches Bild, löst sich als jukeboxfarbene Intervention auf.
• Jade Simpson, The Spirit Collection – liest sich wie ein Stofftier, löst sich als etwas Raubtierhafteres auf.

Das ist keine Spielerei. Es ist eine Möglichkeit, den Betrachter auf seine eigenen Sehgewohnheiten aufmerksam zu machen – auf die Annahmen, die er mitbringt, und darauf, wie schnell er bereit ist, diese zu revidieren. Für jeden, der lernt, über zeitgenössische Werke zu schreiben oder diese zu sammeln, ist die praktische Lektion einfach: Vertraue niemals dem ersten Blick und frage immer, was das Werk mit dir macht, bevor du entscheidest, was es ist.

Gewöhnliche Materialien, außergewöhnliches Gewicht

Lisa Marie Williams beweist vollendetes Können darin, die gewöhnlichsten Gegenstände und Materialien zu kombinieren, um ihre eigene Art von Gold zu schaffen: Skulpturen, die vor Menschlichkeit pulsieren. Im Epizentrum ihres Tableaus steht Fluoxetine – benannt nach einem Medikament gegen Depressionen und Zwangsstörungen – eine gigantische „Brust“ aus mit Kapok gefüllten Strumpfhosen mit blauer Kordel und roten Faden-„Adern“, die sich unter einem kaputten Tisch eingeklemmt hat.

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Davor ähneln einige zusammengefügte Holzstücke einem Paar Beine, deren Haltung teils schützend, teils panisch ist und die mit Herrenschuhen beschuht sind, deren Schnürsenkel sich gelöst haben. Zur Seite steht ein kleines Kind mit einem übergroßen Bommelkopf, ein trauriger Zeuge des Ganzen. Erzählungen, die mit dem Zusammenbruch der Familie sympathisieren, sickern durch und um das Ganze herum.

Die Wahl der Materialien ist hier kein Zufall. Strumpfhosen, Kapok, Kordel, Faden, ein kaputter Tisch und ein Paar Herrenschuhe sind allesamt häuslich, billig und emotional aufgeladen.

Sie tragen die Rückstände des Körpers und des Heims. Indem sie diese vergrößert und neu kombiniert, verwandelt Williams die Einrichtungsgegenstände des Alltags in etwas, das eher einem Bühnenbild für ein Familiendrama ähnelt – und der Titel, entlehnt aus dem Markennamen eines Antidepressivums, verankert dieses Drama in der Sprache der psychischen Gesundheit.

Ich stelle mir Jade Simpson als eine Künstlerin vor, die mit Dingen herumfummelt, Stoffe durch ihre Hände gleiten lässt, seltsame Gegenstände aufsammelt, sie auf unterschiedliche Weise hält und aus verschiedenen Blickwinkeln untersucht. Bis etwas Unerwartetes – und Kostbares – passiert.

Ihre Skulptur The Spirit Collection ist eine imposante Gruppierung zusammengesetzter Tiere, mehr als zwei Meter hoch, entstanden durch das Drapieren von Stoffen über Holz und Pappe. Es gibt eine Eisbären-Schlange, einen Wildschwein-Grillen-Frosch, ein Walross-Star und, am liebsten von allen, eine Möwe mit gespreizten hölzernen Kleiderbügeln als Schnabel und Krallen. Einerseits haben die Kreaturen eine enorme Anziehungskraft, andererseits machen sie Angst: The Spirit Collection scheint sowohl ein Kommentar zur menschlichen Sentimentalität als auch ein Vorbote einer rachsüchtigen Natur zu sein.

Beiden Künstlern ist eine Methode gemein, die es wert ist, benannt zu werden, weil sie sich in der gesamten Ausstellung wiederholt: Improvisation mit billigem, gefundenem und häuslichem Material. Es ist eine Strategie, die zum Teil aus der Notwendigkeit heraus entstanden ist – Absolventen haben selten Budgets –, aber es ist auch eine ästhetische Entscheidung mit einer langen Tradition in der britischen Bildhauerei, von den Assemblage-Traditionen des 20.

Jahrhunderts bis zur Gegenwart. Der Kompromiss ist real: Solche Arbeiten können zerbrechlich, schwer zu transportieren und schwierig zu verkaufen sein, aber sie können auch eine Intimität und Unmittelbarkeit besitzen, mit der gegossene oder gefertigte Objekte selten mithalten können.

Eine Gegenstimme: Ironie und das gefundene Bild

In New Art West Midlands gibt es viele Emotionen, und James Turners Kunstwerk John Millais wirkt wie ein Gegenpol dazu. Er hat eine Folie von Millais’ berühmtem, gefühlvollem Gemälde The Blind Girl auf einen Leuchtkasten montiert. Ein „Azteken“-Kopf ersetzt den des blinden Mädchens, und gemusterte Schnörkel winden sich um sie und dringen in die Augen ihres Begleiters ein. Zudem leuchten diese Ergänzungen in einer Farbfolge auf, was den Effekt einer Wurlitzer-Jukebox erzeugt.

Der Schachzug ist clever, weil er auf die emotionale Maschinerie des Originals abzielt. John Everett Millais’ The Blind Girl ist eines der sentimentalsten Bilder im britischen Kanon – ein doppelter Regenbogen, ein mittelloses Mädchen, ein Schoß voller Blumen.

Turner zerstört es nicht; er spielt es neu ab und verwandelt ein Gemälde in einen Leuchtkasten und einen Leuchtkasten in eine Jahrmarktsattraktion. Die Sentimentalität überlebt, aber sie ist nun sichtbar künstlich hergestellt, und der Betrachter wird eingeladen zu bemerken, wie leicht er bewegt wird.

Für eine Gruppenausstellung ist ein solches Gegengewicht unerlässlich. Eine Ausstellung, die ausschließlich aus gefühlvollen, handgefertigten Objekten besteht, läuft Gefahr, eintönig zu werden. Eine kühlere, konzeptionellere Präsenz gibt der emotionalen Arbeit etwas, wogegen sie sich absetzen kann – und bietet dem Besucher einen Wechsel des Registers.

Wie man eine Absolventenpräsentation betrachtet

Wenn Sie eine Ausstellung wie diese besuchen – ob als neugieriges Mitglied der Öffentlichkeit, als Student, als Kurator oder als Sammler – werden Sie mit ein paar praktischen Gewohnheiten viel mehr daraus ziehen.

• Gehen Sie zweimal hin, wenn Sie können. Der erste Eindruck in einer Gruppenausstellung wird von den lautesten Werken dominiert. Die Leiseren werden oft erst beim zweiten Durchgang wahrgenommen.
• Lesen Sie die Beschilderung und ignorieren Sie sie dann. Titel und Materiallisten sind Belege, keine Anweisungen. Fluoxetin sagt Ihnen etwas; es sagt Ihnen nicht alles.
• Fragen Sie, woraus das Werk besteht und warum. Die Materialwahl ist selten neutral, insbesondere wenn die Budgets knapp sind.
• Beachten Sie die Installation. Wie ein Werk beleuchtet, platziert und sequenziert wird, ist Teil seiner Bedeutung, und in einer Ausstellung an mehreren Veranstaltungsorten kann dasselbe Werk in verschiedenen Räumen unterschiedlich wirken.
• Folgen Sie den Künstlern danach. Der Wert einer Präsentation liegt darin, was als Nächstes passiert: die nächste Ausstellung, die Residenz, die Studiogruppe, der erste Verkauf.

Für Sammler sieht die Rechnung wiederum anders aus. Arbeiten von Künstlern, die erst kürzlich ihren Abschluss gemacht haben, sind in der Regel der erschwinglichste Einstiegspunkt in die zeitgenössische Praxis, sie sind jedoch mit Einschränkungen verbunden: Die Auflagen können klein oder undefiniert sein, die Materialien können instabil sein und der Werdegang des Künstlers ist tatsächlich unbekannt. Ein früher Kauf ist ebenso eine Wette auf eine Person wie auf ein Objekt – und genau deshalb ist es so wichtig, das Werk in echt und nicht online zu sehen.

Die Publikumsfrage

Wenn Sie und ich Ausstellungen besuchen, sind wir das Publikum, das Künstler schlichtweg brauchen, nicht zuletzt im Hinblick auf ihr psychologisches Überleben – und das besonders in dieser schwindelerregenden, frühen Phase ihrer Karriere. New Art West Midlands verdient mit ihrer Tiefe und Bandbreite an Talenten unsere eifrige Aufmerksamkeit.

Das ist kein Plädoyer für Höflichkeit. Es ist eine Beschreibung, wie die Ökologie tatsächlich funktioniert. Künstler brauchen Betrachter, Kritiker brauchen Künstler, Galerien brauchen beides und Sammler brauchen die gesamte Kette, damit sie sichtbar und lesbar ist. Eine regionale Präsentation ist einer der wenigen Orte, an denen all diese Rollen kurzzeitig denselben Raum einnehmen. Das Erscheinen ist kein passiver Akt; es ist Teilhabe.

Ausstellungsdetails und Kontext

Ausstellung 2015 – 13. November – 23. Dezember. Die SALON-Ausstellung zeigt zeitgenössische Kunst zum Verkauf in der Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery.

Ausstellung 2016 – 12. Februar – 15. Mai. Eine ausgewählte Absolventenausstellung der West Midlands, die jedes Jahr zwischen Februar und Mai an verschiedenen Orten in der Region stattfindet. Die Ausstellung „New Art West Midlands 2016“ wurde von Sonia Boyce, John Stezaker und Katharine Stout ausgewählt und zeigt Werke von 43 Künstlern.

Die Anwesenheit von Selektoren dieses Kalibers ist an sich schon bedeutsam. Boyce, Stezaker und Stout bringen jeweils eine eigene Sensibilität mit – eine Praxis, die in der schwarzen britischen Kunst und Kuration verwurzelt ist, eine konzeptionelle Auseinandersetzung mit gefundenen Bildern und Collagen bzw. eine kuratorische Perspektive von institutioneller Seite. Das Ergebnis ist eine Auswahl, die weder rein akademisch noch rein marktorientiert ist, was genau das ist, was eine Präsentation dieser Art sein sollte.

Häufig gestellte Fragen

Was ist New Art West Midlands?

Es handelt sich um ein Ausstellungsprogramm an mehreren Veranstaltungsorten, das frisch gestartete Künstler aus den West Midlands präsentiert, in der Regel junge Absolventen der Bildenden Kunst. Es findet jedes Jahr zwischen Februar und Mai an verschiedenen Orten in der Region statt, mit einer dazugehörigen SALON-Ausstellung zeitgenössischer Kunst zum Verkauf. Ziel ist es, aufstrebenden Künstlern eine erste bedeutende öffentliche Plattform zu bieten.

Wer wählt die Künstler für New Art West Midlands aus?

Die Auswahl der Ausstellung erfolgt durch eingeladene Künstler und Kuratoren und nicht allein durch eine offene Bewerbung. Die Ausgabe 2016 wurde von Sonia Boyce, John Stezaker und Katharine Stout ausgewählt und zeigte Werke von 43 Künstlern. Die Ausgabe 2015 zeigte 30 frisch gestartete Künstler.

Warum ist die Zeit nach dem Kunststudium für Künstler so schwierig?

Weil die unterstützende Struktur eines Studiums – Atelier, Ausrüstung, Techniker, Kommilitonen, Fristen und ein Publikum – fast über Nacht verschwindet. Absolventen müssen gleichzeitig ein Einkommen finden, Platz zum Arbeiten finden und ein berufliches Netzwerk aufbauen, oft während sie Studienschulden abtragen. Viele hören in dieser Zeit auf, Werke zu schaffen – nicht aus Mangel an Talent, sondern aus Mangel an Infrastruktur.

Wie sollte ich an eine Gruppenausstellung aufstrebender Künstler herangehen?

Langsam und mehr als einmal. Widerstehen Sie dem Drang, sofort zu entscheiden, welche Werke Ihnen gefallen. Lesen Sie die Beschilderung für Materialien und Titel und schauen Sie sich dann noch einmal das Werk selbst an. Achten Sie darauf, wie die Stücke installiert und sequenziert sind, und notieren Sie sich die Namen von zwei oder drei Künstlern, deren Werke Ihnen im Gedächtnis bleiben, damit Sie verfolgen können, was sie als Nächstes tun.

Kann ich Arbeiten aus einer solchen Präsentation kaufen?

Oftmals ja – die SALON-Ausstellung in der Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery, ist ausdrücklich eine Präsentation zeitgenössischer Kunst zum Verkauf. Die Preise für Arbeiten von frisch Absolvierten liegen im Allgemeinen am zugänglicheren Ende des Marktes. Beachten Sie jedoch, dass Auflagen möglicherweise undefiniert sind und einige Materialien im Laufe der Zeit fragil oder instabil sein können.

Was bewirkt eigentlich eine Rezension wie diese?

Sie ordnet das Werk in einen größeren Rahmen ein – Kunstgeschichte, Psychologie, die Ökonomie der frühen Karriere eines Künstlers – und hält einen Moment im kulturellen Leben einer Region fest. Rezensionen fungieren auch als eine Form der Fürsprache: Sie signalisieren Künstlern, dass ihre Arbeit genau unter die Lupe genommen wurde, und sie sagen dem Publikum, dass das Werk den Weg dorthin wert ist.

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Angela Kingston Kuratorin und Autorin für bildende Kunst http://www.angelakingston.co.uk

Editorial: Barbara Walkers Shock and Awe rezensiert von Andrew Jackson (Freitag, 13. Mai 2016); Trevor Pitt und die Preston Street Union (Mittwoch, 13. April 2016).

Abonnieren: Friends of New Art WM – wenn Sie daran interessiert sind, über zeitgenössische Kunst in der Region auf dem Laufenden zu bleiben oder diese zu kaufen und zu sammeln, treten Sie bitte unserer Mailingliste bei. Curators’ Network – wenn Sie Kurator oder Fachkraft für bildende Kunst sind und sich für die zeitgenössische Kunstlandschaft der West Midlands interessieren, treten Sie bitte unserer Mailingliste bei.

Weiterführende Literatur

• Bedwyr Williams — Wikipedia
• Sigmund Freud — Wikipedia
• John Everett Millais — Wikipedia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipedia