Angela Kingston reseña New Art West Midlands 2015

El primer año o dos después de obtener un título en bellas artes son críticos. Los estudiantes ponen todo lo que tienen en su exposición final, y cuentan con apoyo, equipo y camaradería. Y luego…

…el suelo desaparece bajo sus pies. Ahora tienen que salir adelante por su cuenta como artistas. Es algo por lo que yo mismo he pasado: como un personaje de dibujos animados de los Looney Toons que hubiera corrido por el borde de un acantilado, suspendido en el aire, mientras cae en la cuenta, con los dedos de los pies buscando algo que evitara mi caída. Y para los estudiantes que se gradúan hoy, sobre todo debido a sus deudas, el cañón sobre el que se ciernen es cada vez más profundo y ancho.

New Art West Midlands es una exposición en múltiples sedes que ha tomado a 30 artistas recién lanzados de la región y les ha brindado un valioso punto de apoyo. Para el visitante, la recompensa es una especie de exposición-periódico: la oportunidad de ver el aquí y el ahora del arte visual contemporáneo.

Conclusiones clave

• New Art West Midlands funciona como un puente entre la escuela de arte y la práctica profesional, brindando a los recién graduados una primera plataforma pública seria en múltiples sedes regionales.
• La edición de 2015 mostró a 30 artistas recién lanzados; la edición de 2016, seleccionada por Sonia Boyce, John Stezaker y Katharine Stout, presentó obras de 43 artistas.
• La obra expuesta recompensa la observación lenta y detallada: varias piezas (Squid de Megan Sheridan, John Millais de James Turner) engañan deliberadamente a la vista antes de resolverse en algo más.
• El registro emocional de la exposición es inusualmente amplio, desde el cuadro de la crisis familiar de Lisa-Marie Williams hasta las intervenciones más frías y conceptuales de James Turner.
• Para coleccionistas y curadores, la exposición anual es una herramienta de investigación: una forma de ver el talento emergente de la región antes de que se exhiba ampliamente o se le asigne un precio.

Por qué es importante el momento del posgrado

La brecha entre la graduación y una práctica sostenible es el tramo más precario en la vida de un artista. Durante la carrera, la infraestructura es invisible porque está en todas partes: un estudio por el que no hay que pagar, técnicos a mano, un grupo con el que discutir, plazos impuestos desde fuera y una exposición final con una audiencia integrada de tutores, familiares y curadores visitantes. Elimine todo eso de una vez y la pérdida no será solo práctica, sino psicológica.

Lo que lo reemplaza, para la mayoría de los graduados, es un mosaico: un dormitorio o estudio compartido, trabajo a tiempo parcial y una disciplina autoimpuesta que debe fabricarse desde cero. Si a esto le sumamos la deuda estudiantil y el aumento de los alquileres de los estudios en ciudades como Birmingham, la aritmética se vuelve brutal.

Este es el contexto en el que importa un programa como New Art West Midlands. No resuelve el problema estructural, pero interrumpe el silencio exactamente en el momento en que es más probable que un artista deje de producir obra por completo.

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Vale la pena ser precisos sobre lo que ofrece y lo que no ofrece dicha oportunidad:

• Proporciona: una fecha límite, un proceso de selección profesional, un espacio público, una línea en el CV y, fundamentalmente, un grupo de pares de otros artistas en la misma etapa.
• Proporciona: la experiencia de instalar una obra en un espacio que no es un estudio, lo cual es una habilidad distinta a la de crearla.
• No proporciona: ingresos, espacio de estudio ni garantía de representación. Esos siguen siendo problemas que el artista debe resolver.

Comprender esa distinción es parte de madurar como profesional. Una exposición colectiva es una plataforma, no una carrera.

Lectura de la obra: un capítulo de una novela gráfica

Me atrapa un capítulo de una novela gráfica de Shijie Hai llamada Sleep Paralysis. Contada desde la perspectiva del artista, representa el estado de estar semidespierto y, sin embargo, completamente incapaz de moverse.

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Muchas de las viñetas individuales de la historia están llenas de oscuridad total, o patrones psicodélicos y estridentes, o una pantalla de lámpara que se multiplica en el techo. En la viñeta final, hay una inquietante súplica: «Recuerda, la última vez/ si ves mis dedos convirtiéndose en oro/ debes despertarme».

El estado de sueño del artista ha alterado el tiempo y la lógica, y también ha proporcionado una especie de enigma. Y como propuso Sigmund Freud, fenómenos como los sueños y el arte, así como los acertijos o los chistes, contienen mecanismos que nos permiten mirar hacia el inconsciente.

¿Dedos convirtiéndose en oro? En sentido literal, sobre la carne y los huesos convirtiéndose en metal, la extraña frase de Shijie Hai seguramente trata también sobre ese deseo ardiente que tienen los artistas de transformar lo que tienen en sus manos en algo con un nuevo significado: una transformación misteriosa que para ellos es tan preciosa como el oro. ¿Debes despertarme?

Esta última frase de la obra de arte me parece que tiene que ver con la situación de los artistas de necesitar una audiencia. Sin ella, hacer arte es una calle de sentido único, un callejón sin salida: una especie de parálisis.

Vale la pena detenerse en esa lectura, porque nombra algo que la exposición en su conjunto pone en práctica. La novela gráfica es una forma que depende de que el lector pase las páginas; la obra de arte está incompleta hasta que alguien llega. Lo mismo ocurre con cada pieza de la muestra. El público no es un consumidor pasivo de la obra, sino un componente necesario de la misma.

La alquimia de la segunda mirada

El hecho de que Megan Sheridan haya pulsado el disparador de su cámara ha dado lugar precisamente al tipo de alquimia al que alude el sueño de Shijie Hai, y su fotografía, titulada Squid, ciertamente capta mi atención —y la de otras personas, según noté al visitar la exposición—. Hay un extraterrestre de color naranja brillante, con una cabeza abultada, ojos encapuchados y una extremidad delantera bifurcada.

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Pero si miramos de nuevo, la fotografía es en realidad la de un pescadero, con un par de calamares colgando frente a su cara, su brazo izquierdo distorsionado al haber sido capturado en pleno movimiento, y una iluminación artificial que hace que los colores parezcan extrañamente de ciencia ficción. Es gloriosamente bizarro e inquietante. Uno de los seleccionadores, Bedwyr Williams, escribe que «me hizo incorporarme y sentir náuseas al mismo tiempo».

Esa doble mirada es una lente útil para toda la exposición. Varias obras aquí se basan en un retraso deliberado entre la primera impresión y la comprensión:

• Megan Sheridan, Squid — se lee como ciencia ficción, se resuelve como documental.
• James Turner, John Millais — se lee como una imagen prerrafaelita familiar, se resuelve como una intervención con los colores de una jukebox.
• Jade Simpson, The Spirit Collection — se lee como un peluche, se resuelve como algo más depredador.

Esto no es un truco. Es una forma de hacer que el espectador sea consciente de sus propios hábitos de observación: las suposiciones que aporta y la rapidez con la que está dispuesto a revisarlas. Para cualquiera que esté aprendiendo a escribir sobre obra contemporánea o a coleccionarla, la lección práctica es simple: nunca confíe en una primera mirada y pregunte siempre qué le está haciendo la obra antes de decidir qué es.

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Materiales ordinarios, peso extraordinario

Lisa Marie Williams demuestra una habilidad consumada al combinar los objetos y materiales más ordinarios para crear su propio tipo de oro: esculturas que palpitan con humanidad. En el epicentro de su puesta en escena, Fluoxetine —llamada así por un fármaco para la depresión y el trastorno obsesivo-compulsivo— es un «pecho» gigantesco, hecho de medias rellenas de kapok con cordón azul y «venas» de hilo rojo, que se ha encajado debajo de una mesa rota.

Delante de esto, algunos trozos de madera articulados se asemejan a un par de piernas, con una postura en parte protectora y en parte presa del pánico, que calzan zapatos de hombre cuyos cordones se han desatado. A un lado, hay un niño pequeño con una cabeza de pompón desproporcionada, testigo triste de todo. Narrativas empáticas con el colapso familiar se filtran a través y alrededor de todo el conjunto.

La elección de los materiales aquí no es casual. Las medias, el kapok, el cordón, el hilo, una mesa rota y un par de zapatos de hombre son elementos domésticos, baratos y cargados de significado. Llevan el residuo del cuerpo y del hogar. Al ampliarlos y recombinarlos, Williams convierte el mobiliario de la vida cotidiana en algo más parecido a la escenografía de un drama doméstico —y el título, tomado del nombre comercial de un antidepresivo, ancla ese drama en el lenguaje de la salud mental—.

Imagino a Jade Simpson como una artista que juguetea y manipula cosas, pasando telas por sus manos, recogiendo objetos extraños, sosteniéndolos de diferentes maneras y examinándolos desde diversos ángulos. Hasta que ocurre algo inesperado —y precioso—.

Su escultura The Spirit Collection es un imponente grupo de animales compuestos, de más de dos metros de altura, creados cubriendo madera y cartón con telas. Hay una serpiente-oso polar, un rana-grillo-jabalí, una morsa-estornino y, mi favorita de todas, una gaviota con perchas de madera desplegadas a modo de pico y garras. Por un lado, las criaturas tienen un atractivo enorme y, por otro, asustan: The Spirit Collection parece ser a la vez un comentario sobre el sentimentalismo humano y un presagio de la naturaleza vengativa.

Ambos artistas comparten un método que merece ser nombrado, ya que recurre a lo largo de la exposición: la improvisación con material barato, encontrado y doméstico. Es una estrategia nacida en parte de la necesidad —los graduados rara vez tienen presupuesto—, pero también es una elección estética con un largo linaje en la escultura británica, desde las tradiciones del ensamblaje del siglo XX hasta el presente. El compromiso es real: tales obras pueden ser frágiles, difíciles de transportar y difíciles de vender, pero también pueden poseer una intimidad e inmediatez que los objetos fundidos o fabricados rara vez igualan.

Una contravoz: la ironía y la imagen encontrada

Hay mucha emoción en New Art West Midlands, y la obra de James Turner, John Millais, se presenta como un contrapunto a esto. Ha montado una transparencia de la famosa y emotiva pintura de Millais, The Blind Girl, sobre una caja de luz. Una cabeza «azteca» reemplaza la de la niña ciega, y volutas estampadas la envuelven y entran en los ojos de su acompañante. Además, estas adiciones se iluminan en una secuencia de colores, dando el efecto de una jukebox Wurlitzer.

El movimiento es inteligente porque apunta a la maquinaria emocional del original. The Blind Girl de John Everett Millais es una de las imágenes más sentimentales del canon británico: un doble arco iris, una niña indigente, un regazo lleno de flores. Turner no la destruye; la reproduce, convirtiendo una pintura en una caja de luz y una caja de luz en una atracción de feria. El sentimiento sobrevive, pero ahora está visiblemente fabricado, y se invita al espectador a notar con qué facilidad se conmueve.

Para una exposición colectiva, este tipo de contrapeso es fundamental. Una exposición compuesta íntegramente de objetos sinceros y hechos a mano corre el riesgo de volverse monótona. Una presencia más fresca y conceptual le da al trabajo emocional algo contra lo cual contrastar y le brinda al visitante un cambio de registro.

Cómo mirar una muestra de graduados

Si visita una exposición como esta —ya sea como miembro curioso del público, estudiante, curador o coleccionista— algunos hábitos prácticos le permitirán aprovecharla mucho más.

• Vaya dos veces si puede. Las primeras impresiones en una exposición colectiva están dominadas por las obras más ruidosas. Las más silenciosas a menudo solo se perciben en una segunda pasada.
• Lea las etiquetas y luego ignórelas. Los títulos y las listas de materiales son evidencia, no instrucciones. Fluoxetina le dice algo; no se lo dice todo.
• Pregunte de qué está hecha la obra y por qué. La elección del material rara vez es neutral, especialmente cuando los presupuestos son ajustados.
• Tenga en cuenta la instalación. La forma en que una obra está iluminada, espaciada y secuenciada es parte de su significado, y en una muestra en múltiples sedes la misma obra puede leerse de manera diferente en diferentes salas.
• Siga a los artistas después. El valor de una muestra es lo que sucede después: la siguiente exposición, la residencia, el grupo de estudio, la primera venta.

Para los coleccionistas, el cálculo es diferente una vez más. La obra de artistas recién graduados suele ser el punto de entrada más asequible a la práctica contemporánea, pero conlleva algunas advertencias: las ediciones pueden ser pequeñas o indefinidas, los materiales pueden ser inestables y la trayectoria del artista es genuinamente desconocida. Comprar temprano es una apuesta tanto por una persona como por un objeto, y es precisamente por eso que ver la obra en persona, en lugar de en línea, es tan importante.

La cuestión de la audiencia

Cuando usted y yo visitamos exposiciones, somos el público que los artistas simplemente deben tener, sobre todo en términos de supervivencia psicológica, y nunca más que en esta vertiginosa y temprana etapa de sus carreras. New Art West Midlands, con su profundidad y amplitud de talento, merece nuestra ávida atención.

Esto no es un llamamiento a la cortesía. Es una descripción de cómo funciona realmente la ecología. Los artistas necesitan espectadores, los críticos necesitan artistas, las galerías necesitan a ambos y los coleccionistas necesitan que toda la cadena sea visible y legible. Una muestra regional es uno de los pocos lugares donde todos esos roles ocupan brevemente la misma sala. Presentarse no es un acto pasivo; es participación.

Detalles y contexto de la exposición

Exhibition 2015 — 13 de noviembre – 23 de diciembre. La exposición SALON muestra arte contemporáneo a la venta en la Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery.

Exhibition 2016 — 12 de febrero – 15 de mayo. Una exposición seleccionada de graduados de West Midlands que se lleva a cabo en sedes de toda la región entre febrero y mayo de cada año. La exposición New Art West Midlands 2016 fue seleccionada por Sonia Boyce, John Stezaker y Katharine Stout y presenta obras de 43 artistas.

La presencia de selectores de ese calibre es en sí misma significativa. Boyce, Stezaker y Stout aportan cada uno una sensibilidad distinta: respectivamente, una práctica arraigada en el arte y la curaduría británicos negros, un compromiso conceptual con imágenes encontradas y el collage, y una perspectiva curatorial desde el lado institucional. El resultado es una selección que no es puramente académica ni puramente orientada al mercado, que es exactamente lo que debería ser una muestra de este tipo.

Preguntas frecuentes

¿Qué es New Art West Midlands?

Es un programa de exposiciones en múltiples sedes que muestra a artistas recién lanzados de West Midlands, generalmente graduados recientes en bellas artes. Se lleva a cabo en sedes de la región entre febrero y mayo de cada año, con una exposición SALON asociada de arte contemporáneo a la venta. Su propósito es brindar a los artistas emergentes una primera plataforma pública significativa.

¿Quién selecciona a los artistas para New Art West Midlands?

La exposición es seleccionada por artistas y curadores invitados, y no únicamente mediante convocatoria abierta. La edición de 2016 fue seleccionada por Sonia Boyce, John Stezaker y Katharine Stout, y contó con obras de 43 artistas. La edición de 2015 mostró a 30 artistas recién lanzados.

¿Por qué el período posterior a la escuela de arte es tan difícil para los artistas?

Porque la estructura de apoyo de una carrera —estudio, equipo, técnicos, pares, plazos y audiencia— desaparece casi de la noche a la mañana. Los graduados deben simultáneamente encontrar ingresos, encontrar un espacio para trabajar y construir una red profesional, a menudo mientras cargan con deudas estudiantiles. Muchos dejan de producir obra en este período, no por falta de talento sino por falta de infraestructura.

¿Cómo debo abordar una muestra colectiva de artistas emergentes?

Lentamente y más de una vez. Resista la tentación de decidir inmediatamente qué obras le gustan. Lea las etiquetas de materiales y títulos, luego vuelva a mirar la obra en sí. Preste atención a cómo se instalan y secuencian las piezas, y anote los nombres de dos o tres artistas cuya obra permanezca en usted para que pueda seguir lo que hagan a continuación.

¿Puedo comprar obra en una muestra como esta?

A menudo, sí: la exposición SALON en la Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery, es explícitamente una muestra de arte contemporáneo a la venta. Los precios de las obras de artistas recién graduados suelen estar en el extremo más accesible del mercado, pero tenga en cuenta que las ediciones pueden no estar definidas y algunos materiales pueden ser frágiles o inestables con el tiempo.

¿Qué hace realmente una reseña como esta?

Sitúa la obra en un marco más amplio —historia del arte, psicología, la economía de los inicios de la carrera de un artista— y registra un momento en la vida cultural de una región. Las reseñas también funcionan como una forma de defensa: les dicen a los artistas que su trabajo ha sido examinado de cerca, y le dicen al público que la obra vale la pena el viaje.

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Angela Kingston Curadora y escritora de artes visuales http://www.angelakingston.co.uk

Editorial: Shock and Awe de Barbara Walker reseñada por Andrew Jackson (viernes 13 de mayo de 2016); Trevor Pitt y la Preston Street Union (miércoles 13 de abril de 2016).

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Lectura adicional

• Bedwyr Williams — Wikipedia
• Sigmund Freud — Wikipedia
• John Everett Millais — Wikipedia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipedia