Angela Kingston analisa New Art West Midlands 2015

O primeiro ou segundo ano após a conclusão de um curso de belas artes é crítico. Os alunos dedicam tudo o que têm à sua mostra final, e contam com apoio, equipamentos e camaradagem. E então…

…o chão desaparece sob seus pés. Eles agora têm que se virar sozinhos como artistas. É algo pelo que eu mesmo passei: como um personagem de desenho animado do Looney Tunes que correu para fora da beira de um penhasco, suspenso no ar, com a percepção surgindo, os dedos dos pés tateando em busca de algo que evitasse a minha queda. E para os estudantes graduados de hoje, não menos por causa de suas dívidas, o cânion sobre o qual pairam é cada vez mais profundo e amplo.

New Art West Midlands é uma exposição em múltiplos locais que pegou 30 artistas recém-lançados da região e lhes deu um apoio precioso. Para o visitante, a recompensa é uma espécie de “exposição-como-jornal”: a chance de ver o aqui-e-agora da arte visual contemporânea.

Principais Conclusões

• A New Art West Midlands funciona como uma ponte entre a escola de arte e a prática profissional, proporcionando aos recém-formados uma primeira plataforma pública séria em vários locais regionais.
• A edição de 2015 apresentou 30 artistas recém-lançados; a edição de 2016, selecionada por Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout, contou com trabalhos de 43 artistas.
• As obras em exibição recompensam a observação lenta, de segunda vista: várias peças (Squid de Megan Sheridan, John Millais de James Turner) enganam deliberadamente o olhar antes de se resolverem em outra coisa.
• O registro emocional da exposição é extraordinariamente amplo, desde o quadro de colapso familiar de Lisa-Marie Williams até as intervenções mais frias e conceituais de James Turner.
• Para colecionadores e curadores, a exposição anual é uma ferramenta de pesquisa — uma forma de ver os talentos emergentes da região antes de serem amplamente exibidos ou precificados.

Por que o momento pós-graduação é importante

O intervalo entre a graduação e uma prática sustentável é o trecho mais precário na vida de um artista. Durante a graduação, a infraestrutura é invisível porque está em toda parte: um estúdio pelo qual você não precisa pagar, técnicos à disposição, um grupo com quem discutir, prazos impostos externamente e uma mostra final com um público integrado de tutores, familiares e curadores visitantes. Remova tudo isso de uma vez e a perda não é apenas prática, mas psicológica.

O que substitui isso, para a maioria dos graduados, é uma colcha de retalhos: um quarto ou estúdio compartilhado, trabalho de meio período e uma disciplina autoimposta que precisa ser fabricada do zero. Adicione a dívida estudantil e o aumento dos aluguéis de estúdios em cidades como Birmingham e a aritmética torna-se brutal.

Este é o contexto em que um projeto como o New Art West Midlands importa. Ele não resolve o problema estrutural, mas interrompe o silêncio exatamente no momento em que um artista tem mais probabilidade de parar completamente de produzir.

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Vale a pena ser preciso sobre o que tal oportunidade oferece e o que não oferece:

• Oferece: um prazo, um processo de seleção profissional, um local público, uma linha no currículo e — crucialmente — um grupo de pares de outros artistas na mesma fase.
• Oferece: a experiência de instalar a obra em um espaço que não seja de estúdio, o que é uma habilidade distinta de produzi-la.
• Não oferece: renda, espaço de estúdio ou garantia de representação. Esses continuam sendo problemas do próprio artista para resolver.

Compreender essa distinção faz parte do amadurecimento como profissional. Uma exposição coletiva é uma plataforma, não uma carreira.

Lendo a obra: um capítulo de uma graphic novel

Sou cativado por um capítulo de uma graphic novel de Shijie Hai chamada Sleep Paralysis. Contada da perspectiva do artista, ela retrata o estado de estar semi-acordado e, ainda assim, completamente incapaz de se mover.

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Muitos dos quadros individuais da história são preenchidos por escuridão completa, ou padrões psicodélicos e tensos, ou um abajur que se multiplica no teto. No quadro final, há um apelo assustador: ‘Lembre-se, da última vez/ se você vir meus dedos se transformando em ouro/ você deve me acordar.’

O estado de sonho do artista mexeu com o tempo e a lógica, e também forneceu uma espécie de enigma. E, como propôs Sigmund Freud, fenômenos como os sonhos e a arte, e também enigmas ou piadas, contêm mecanismos que nos permitem olhar para o inconsciente.

Dedos se transformando em ouro? No sentido literal, sobre carne e osso tornando-se metal, a frase estranha de Shijie Hai certamente também é sobre aquele desejo ardente que os artistas têm de transformar o que têm em suas mãos em algo com novo significado – uma transformação misteriosa que, para eles, é tão preciosa quanto ouro.

Você deve me acordar? Esta última frase da obra de arte me parece ter a ver com a situação dos artistas de precisar de um público. Sem isso, fazer arte é uma via de mão única, um beco sem saída – uma espécie de paralisia.

Vale a pena refletir sobre essa leitura, porque ela nomeia algo que a exposição como um todo encena. A graphic novel é uma forma que depende do leitor virar as páginas; a obra de arte está incompleta até que alguém chegue. O mesmo acontece com cada peça da mostra. O público não é um consumidor passivo da obra, mas um componente necessário dela.

A alquimia do segundo olhar

O pressionar do dedo de Megan Sheridan no botão de disparo da sua câmara resultou precisamente no tipo de alquimia a que o sonho de Shijie Hai alude, e a sua fotografia, chamada Squid, certamente chama a minha atenção – e a de outras pessoas, reparei ao visitar a exposição. Há um alienígena laranja brilhante, com cabeça protuberante, olhos encapuzados e um membro frontal bifurcado.

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Mas olhe novamente, e a fotografia é na verdade de um peixeiro, com um par de lulas penduradas na frente do rosto, o braço esquerdo distorcido por ter sido capturado em pleno movimento, com a iluminação artificial tornando as cores estranhamente sci-fi. É gloriosamente bizarro e perturbador. Um dos seletores, Bedwyr Williams, escreve que a obra ‘fez-me sentar e sentir-me enjoado ao mesmo tempo’.

Esse olhar duplo é uma lente útil para toda a exposição. Vários trabalhos aqui são construídos sobre um atraso deliberado entre a primeira impressão e a compreensão:

• Megan Sheridan, Squid — lê-se como ficção científica, resolve-se em documentário.
• James Turner, John Millais — lê-se como uma imagem pré-rafaelita familiar, resolve-se numa intervenção com cores de jukebox.
• Jade Simpson, The Spirit Collection — lê-se como um brinquedo de pelúcia, resolve-se em algo mais predatório.

Isto não é artifício. É uma forma de tornar o espectador consciente dos seus próprios hábitos de olhar – as suposições que traz e a rapidez com que está disposto a revê-las. Para quem está a aprender a escrever sobre ou a colecionar obras contemporâneas, a lição prática é simples: nunca confie num primeiro olhar e pergunte sempre o que a obra está a fazer com você antes de decidir o que ela é.

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Materiais comuns, peso extraordinário

Lisa Marie Williams demonstra habilidade consumada ao combinar os objetos e materiais mais comuns para criar o seu próprio tipo de ouro: esculturas que pulsam com humanidade. No epicentro do seu tableau, Fluoxetine – nomeada após um fármaco para a depressão e o transtorno obsessivo-compulsivo – é um “seio” gigantesco, feito de meias-calças recheadas de sumaúma com cordão azul e “veias” de fio vermelho, que se encravou debaixo de uma mesa partida.

Diante disto, alguns pedaços de madeira articulados assemelham-se a um par de pernas, com uma postura em parte protetora, em parte em pânico, que calçam sapatos de homem cujos atacadores se desamarraram. De um lado, há uma criança pequena com uma cabeça de pompom desproporcional, triste testemunha de tudo. Narrativas simpáticas ao colapso familiar infiltram-se por tudo e ao redor de tudo.

A escolha dos materiais aqui não é incidental. Meias-calças, sumaúma, cordão, fio, uma mesa partida e um par de sapatos de homem são todos domésticos, baratos e carregados de significado. Carregam o resíduo do corpo e do lar. Ao ampliá-los e recombiná-los, Williams transforma o mobiliário da vida quotidiana em algo mais próximo de um cenário para um drama doméstico – e o título, emprestado da marca de um antidepressivo, ancora esse drama na linguagem da saúde mental.

Imagino Jade Simpson como uma artista que mexe e manipula as coisas, passando tecidos pelas mãos, recolhendo itens estranhos, segurando-os de diferentes formas e examinando-os de vários ângulos. Até que algo inesperado – e precioso – ocorra.

A sua escultura The Spirit Collection é um imponente agrupamento de animais compostos, com mais de dois metros de altura, feita ao drapejar tecidos sobre madeira e cartão. Há uma cobra-urso-polar, um sapo-javali-grilo, um estorninho-morsa e, o favorito de todos, uma gaivota com ramalhetes de cabides de madeira como bico e garras. Por um lado, as criaturas têm um apelo enorme e, por outro, assustam: The Spirit Collection parece ser ao mesmo tempo um comentário sobre o sentimentalismo humano e um presságio da natureza como vingativa.

Ambas as artistas partilham um método que vale a pena nomear, porque recorre em toda a exposição: improvisação com material barato, encontrado e doméstico. É uma estratégia nascida em parte da necessidade – os recém-licenciados raramente têm orçamentos – mas é também uma escolha estética com uma longa linhagem na escultura britânica, desde as tradições de assemblage do século XX até ao presente. A contrapartida é real: tal trabalho pode ser frágil, difícil de transportar e difícil de vender, mas pode também carregar uma intimidade e imediatismo que objetos fundidos ou fabricados raramente igualam.

Uma contra-voz: a ironia e a imagem encontrada

Há muita emoção na New Art West Midlands, e a obra de arte de James Turner John Millais surge como um contraponto a isto. Ele montou uma transparência da famosa pintura emotiva de Millais, The Blind Girl, numa caixa de luz. Uma cabeça ‘asteca’ substitui a da menina cega, e arabescos estampados envolvem-na e entram nos olhos do seu companheiro. Além disso, estes acréscimos iluminam-se numa sequência de cores, dando o efeito de uma jukebox Wurlitzer.

A jogada é inteligente porque visa a maquinaria emocional do original. The Blind Girl, de John Everett Millais, é uma das imagens mais sentimentais do cânone britânico – um arco-íris duplo, uma rapariga indigente, um colo cheio de flores. Turner não a destrói; ele a reproduz, transformando uma pintura numa caixa de luz e uma caixa de luz numa atração de feira. O sentimento sobrevive, mas agora é visivelmente fabricado, e o espectador é convidado a notar com que facilidade é comovido.

Para uma exposição coletiva, esse tipo de contrapeso é essencial. Uma exposição composta inteiramente por objetos artesanais e sinceros corre o risco de se tornar monótona. Uma presença mais fria e conceitual dá ao trabalho emocional algo contra o qual contrastar — e oferece ao visitante uma mudança de registro.

Como olhar para uma mostra de recém-formados

Se você está visitando uma exposição como esta — seja como um membro curioso do público, um estudante, um curador ou um colecionador — alguns hábitos práticos farão com que você aproveite muito mais a experiência.

• Vá duas vezes, se puder. As primeiras impressões em uma exposição coletiva são dominadas pelas obras mais impactantes. As mais silenciosas muitas vezes só são percebidas em uma segunda passagem.
• Leia as legendas e depois ignore-as. Títulos e listas de materiais são evidências, não instruções. Fluoxetina lhe diz algo; não lhe conta tudo.
• Pergunte de que a obra é feita e por quê. A escolha do material raramente é neutra, especialmente quando os orçamentos são apertados.
• Observe a instalação. A forma como uma obra é iluminada, espaçada e sequenciada faz parte de seu significado e, em uma mostra em vários locais, a mesma obra pode ser lida de forma diferente em salas diferentes.
• Acompanhe os artistas depois. O valor de uma mostra é o que acontece a seguir: a próxima exposição, a residência, o grupo de estúdio, a primeira venda.

Para colecionadores, o cálculo é diferente novamente. O trabalho de artistas recém-formados é tipicamente a porta de entrada mais acessível para a prática contemporânea, mas traz ressalvas: as edições podem ser pequenas ou indefinidas, os materiais podem ser instáveis e a trajetória do artista é genuinamente desconhecida. Comprar cedo é uma aposta tanto na pessoa quanto no objeto — e é precisamente por isso que ver a obra pessoalmente, e não on-line, importa tanto.

A questão do público

Quando você e eu visitamos exposições, somos o público que os artistas simplesmente precisam ter, sobretudo em termos de sobrevivência psicológica — e nunca mais do que nesta fase vertiginosa e inicial de suas carreiras. A New Art West Midlands, com sua profundidade e amplitude de talento, merece nossa ávida atenção.

Isso não é um apelo à polidez. É uma descrição de como a ecologia realmente funciona. Os artistas precisam de espectadores, os críticos precisam de artistas, as galerias precisam de ambos e os colecionadores precisam que toda a cadeia seja visível e legível. Uma mostra regional é um dos poucos lugares onde todas essas funções ocupam brevemente a mesma sala. Comparecer não é um ato passivo; é participação.

Detalhes e contexto da exposição

Exposição 2015 — 13 de novembro a 23 de dezembro. A exposição SALON apresenta arte contemporânea à venda na Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery.

Exposição 2016 — 12 de fevereiro a 15 de maio. Uma exposição selecionada de graduados de West Midlands que acontece em locais da região entre fevereiro e maio de cada ano. A exposição New Art West Midlands 2016 foi selecionada por Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout e apresenta trabalhos de 43 artistas.

A presença de seletores desse calibre é, por si só, significativa. Boyce, Stezaker e Stout trazem, cada um, uma sensibilidade distinta — respectivamente, uma prática enraizada na arte e curadoria negra britânica, um engajamento conceitual com imagens encontradas e colagem, e uma perspectiva curatorial do lado institucional. O resultado é uma seleção que não é nem puramente acadêmica nem puramente orientada pelo mercado, que é exatamente o que uma mostra deste tipo deveria ser.

Perguntas Frequentes

O que é a New Art West Midlands?

É um programa de exposição em vários locais que apresenta artistas recém-lançados de West Midlands, normalmente recém-formados em belas artes. Acontece em locais da região entre fevereiro e maio de cada ano, com uma exposição SALON associada de arte contemporânea à venda. Seu propósito é dar aos artistas emergentes uma primeira plataforma pública significativa.

Quem seleciona os artistas para a New Art West Midlands?

A exposição é selecionada por artistas e curadores convidados, e não apenas por inscrição aberta. A edição de 2016 foi selecionada por Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout, e contou com trabalhos de 43 artistas. A edição de 2015 apresentou 30 artistas recém-lançados.

Por que o período após a faculdade de artes é tão difícil para os artistas?

Porque a estrutura de suporte de um curso — estúdio, equipamentos, técnicos, colegas, prazos e um público — desaparece quase da noite para o dia. Os graduados devem simultaneamente encontrar renda, encontrar espaço para trabalhar e construir uma rede profissional, muitas vezes enquanto carregam dívidas estudantis. Muitos param de produzir neste período, não por falta de talento, mas por falta de infraestrutura.

Como devo abordar uma exposição coletiva de artistas emergentes?

Lentamente e mais de uma vez. Resista ao impulso de decidir imediatamente de quais obras você gosta. Leia as legendas para ver materiais e títulos e, depois, olhe novamente para a obra em si. Preste atenção em como as peças são instaladas e sequenciadas, e anote os nomes de dois ou três artistas cujos trabalhos permaneçam com você, para que possa acompanhar o que eles farão a seguir.

Posso comprar obras em uma mostra como esta?

Muitas vezes, sim — a exposição SALON na Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery, é explicitamente uma mostra de arte contemporânea à venda. Os preços de obras de artistas recém-formados estão geralmente na extremidade mais acessível do mercado, mas esteja ciente de que as edições podem ser indefinidas e alguns materiais podem ser frágeis ou instáveis ao longo do tempo.

O que uma crítica como esta realmente faz?

Ela coloca a obra em um quadro mais amplo — história da arte, psicologia, a economia do início da carreira de um artista — e registra um momento na vida cultural de uma região. As críticas também funcionam como uma forma de advocacia: dizem aos artistas que seu trabalho foi analisado de perto e dizem ao público que a obra vale a viagem.

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Angela Kingston Curadora e escritora de artes visuais http://www.angelakingston.co.uk

Editorial: Shock and Awe de Barbara Walker revisado por Andrew Jackson (sexta-feira, 13 de maio de 2016); Trevor Pitt e a Preston Street Union (quarta-feira, 13 de abril de 2016).

Inscreva-se: Friends of New Art WM — se você tem interesse em se manter atualizado sobre a arte contemporânea na região, ou em comprar e colecionar, por favor, junte-se à nossa mailing list. Curators’ Network — se você é um curador ou profissional de artes visuais e está interessado no cenário da arte contemporânea de West Midlands, por favor, junte-se à nossa mailing list.

Leitura adicional

• Bedwyr Williams — Wikipédia
• Sigmund Freud — Wikipédia
• John Everett Millais — Wikipédia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipédia