Angela Kingston recenzuje New Art West Midlands 2015

Pierwszy rok lub dwa po ukończeniu studiów ze sztuk pięknych są krytyczne. Studenci wkładają wszystko, co mają, w swoją wystawę dyplomową, mając do dyspozycji wsparcie, sprzęt i koleżeństwo. A potem…

…ziemia usuwa im się spod nóg. Teraz muszą radzić sobie sami jako artyści. To coś, przez co sam przeszedłem: jak postać z kreskówki Looney Tunes, która zbiegła z krawędzi klifu i zawisła w powietrzu, z świtającą świadomością, podczas gdy palce u stóp szukają czegoś, co zapobiegłoby upadkowi. A dla dzisiejszych absolwentów, nie najmniej z powodu ich długów, kanion, nad którym się unoszą, jest coraz głębszy i szerszy.

New Art West Midlands to wystawa odbywająca się w wielu miejscach, która zgromadziła 30 debiutujących artystów z regionu i zapewniła im cenny punkt oparcia. Dla zwiedzającego nagrodą jest swego rodzaju wystawa-gazeta: szansa zobaczenia „tu i teraz” współczesnej sztuki wizualnej.

Kluczowe wnioski

• New Art West Midlands funkcjonuje jako pomost pomiędzy szkołą artystyczną a praktyką zawodową, zapewniając niedawnym absolwentom pierwszą poważną platformę publiczną w wielu regionalnych lokalizacjach.
• Edycja 2015 zaprezentowała 30 debiutujących artystów; edycja 2016, wybrana przez Sonię Boyce, Johna Stezakera i Katharine Stout, zawierała prace 43 artystów.
• Prezentowane prace nagradzają powolne, uważne oglądanie: kilka dzieł (Squid Megan Sheridan, John Millais Jamesa Turnera) celowo zwodzi oko, zanim ułoży się w coś innego.
• Rejestr emocjonalny wystawy jest niezwykle szeroki: od tableau rozpadu rodziny Lisy-Marie Williams po chłodniejsze, bardziej konceptualne interwencje Jamesa Turnera.
• Dla kolekcjonerów i kuratorów coroczna wystawa jest narzędziem badawczym — sposobem na dostrzeżenie wschodzących talentów w regionie, zanim zostaną one szeroko wystawione lub wycenione.

Dlaczego moment po studiach ma znaczenie

Luka między ukończeniem studiów a zrównoważoną praktyką to najbardziej niepewny odcinek w życiu artysty. Podczas studiów infrastruktura jest niewidoczna, ponieważ jest wszędzie: pracownia, za którą nie trzeba płacić, technicy pod ręką, grupa do dyskusji, terminy narzucone z zewnątrz i wystawa dyplomowa z wbudowaną publicznością złożoną z tutorów, rodziny i odwiedzających kuratorów. Usuń to wszystko naraz, a strata będzie nie tylko praktyczna, ale i psychologiczna.

To, co zastępuje tę strukturę u większości absolwentów, to patchwork: sypialnia lub wspólna pracownia, praca na pół etatu i narzucona sobie dyscyplina, którą trzeba wypracować od podstaw. Dodaj do tego długi studenckie i rosnące czynsze za pracownie w miastach takich jak Birmingham, a arytmetyka staje się brutalna.

W tym kontekście liczy się projekt taki jak New Art West Midlands. Nie rozwiązuje on problemu strukturalnego, ale przerywa ciszę dokładnie w momencie, gdy artysta najprawdopodobniej w ogóle przestanie tworzyć.

Powiązane: Artfinder — Independent Artist Marketplace — Rynek z siedzibą w Wielkiej Brytanii, zbudowany wokół niezależnych artystów, z naprawdę szerokim przedziałem cenowym..

Warto precyzyjnie określić, co taka możliwość zapewnia, a czego nie:

• Zapewnia: termin, profesjonalny proces selekcji, publiczną przestrzeń, wpis w CV i – co kluczowe – grupę rówieśniczą innych artystów na tym samym etapie.
• Zapewnia: doświadczenie w instalowaniu prac w przestrzeni innej niż pracownia, co jest umiejętnością odrębną od samego tworzenia.
• Nie zapewnia: dochodu, przestrzeni studyjnej ani gwarancji reprezentacji. To pozostaje problemem, który artysta musi rozwiązać sam.

Zrozumienie tego rozróżnienia jest częścią dojrzewania jako twórcy. Wystawa zbiorowa to platforma, a nie kariera.

Czytanie pracy: rozdział powieści graficznej

Wciąga mnie rozdział powieści graficznej Shijie Hai zatytułowany Sleep Paralysis. Opowiedziany z perspektywy artysty, przedstawia stan półprzytomności i całkowitej niezdolności do poruszania się. Wiele pojedynczych kadrów tej historii wypełnia całkowita ciemność, ostre, psychodeliczne wzory lub abażur mnożący się na suficie. W ostatnim kadrze pojawia się przejmująca prośba: „Pamiętaj, ostatnim razem / jeśli zobaczysz, że moje palce zamieniają się w złoto / musisz mnie obudzić”.

Ulubiony czytelnik: Singulart — Curated Emerging Artist Gallery — Wyselekcjonowana galeria internetowa dla wschodzących artystów, z prawdziwym doradcą ds. sztuki pod ręką..

Stan senny artysty zaburzył czas i logikę, a także dostarczył pewnego rodzaju zagadki. I tak jak proponował Zygmunt Freud, zjawiska takie jak sny i sztuka, a także zagadki czy dowcipy, zawierają mechanizmy, które pozwalają nam zajrzeć w nieświadomość.

Palce zamieniające się w złoto? Na poziomie dosłownym chodzi o ciało i kości stające się metalem, ale dziwna fraza Shijie Hai z pewnością odnosi się również do tego palącego pragnienia artystów, by przekształcić to, co mają w rękach, w coś o nowym znaczeniu – tajemnicza transformacja, która jest dla nich cenna jak złoto. „Musisz mnie obudzić”?

To ostatnie zdanie dzieła wydaje mi się związane z dylematem artystów dotyczącym potrzeby publiczności. Bez niej tworzenie sztuki jest ulicą jednokierunkową, ślepą uliczką – rodzajem paraliżu.

Warto zatrzymać się nad tą interpretacją, ponieważ nazywa ona coś, co realizuje wystawa jako całość. Powieść graficzna to forma, która zależy od przewracania stron przez czytelnika; dzieło jest niekompletne, dopóki ktoś nie przyjdzie. To samo tyczy się każdej pracy na wystawie. Publiczność nie jest biernym konsumentem dzieła, lecz jego niezbędnym elementem.

Alchemia drugiego spojrzenia

Naciśnięcie przez Megan Sheridan spustu migawki jej aparatu zaowocowało dokładnie taką alchemią, do której nawiązuje sen Shijie Hai, a jej zdjęcie zatytułowane Squid z pewnością przyciąga moją uwagę – i innych osób, co zauważyłem podczas wizyty na wystawie. Widnieje na nim jasnopomarańczowy kosmita z wyłupiastą głową, przymrużonymi oczami i rozwidloną przednią kończyną.

Ale spójrz jeszcze raz, a okaże się, że zdjęcie przedstawia handlarza rybami z parą kałamarnic wiszących przed jego twarzą, z lewą ręką zniekształconą przez uchwycenie jej w połowie ruchu, a sztuczne oświetlenie sprawia, że kolory stają się dziwne, niczym z science fiction. Jest to olśniewająco osobliwe i niepokojące. Jeden z selekcjonerów, Bedwyr Williams, pisze, że sprawiło to, iż „jednocześnie wyprostowałem się w fotelu i zrobiło mi się niedobrze”.

Powiązane: Rise Art — Limited Editions & Art Rental Subscription — Kupuj od razu limitowane edycje lub wypożyczaj dzieła sztuki współczesnej w ramach miesięcznego abonamentu..

To podwójne spojrzenie jest użytecznym pryzmatem dla całej wystawy. Kilka prac opiera się tutaj na celowym opóźnieniu między pierwszym wrażeniem a zrozumieniem:

• Megan Sheridan, Squid — czytane jako science fiction, okazuje się dokumentem.
• James Turner, John Millais — czytane jako znajomy obraz prerafaelitów, okazuje się interwencją w kolorach szafy grającej.
• Jade Simpson, The Spirit Collection — czytane jako pluszowa zabawka, okazuje się czymś bardziej drapieżnym.

To nie jest tania sztuczka. To sposób na uświadomienie widzowi jego własnych nawyków patrzenia – założeń, jakie przyjmuje, i tego, jak szybko jest skłonny je zweryfikować. Dla każdego, kto uczy się pisać o sztuce współczesnej lub ją kolekcjonować, praktyczna lekcja jest prosta: nigdy nie ufaj pierwszemu spojrzeniu i zawsze pytaj, co dzieło robi z tobą, zanim zdecydujesz, czym ono jest.

Zwykłe materiały, niezwykła waga

Lisa Marie Williams demonstruje doskonałą umiejętność łączenia najzwyklejszych przedmiotów i materiałów, aby stworzyć własny rodzaj złota: rzeźby pulsujące człowieczeństwem. W centrum jej kompozycji Fluoxetine – nazwanej na cześć leku na depresję i zaburzenia obsesyjno-kompulsyjne – znajduje się gigantyczna „pierś” wykonana z rajstop wypełnionych kapokiem, z niebieskim sznurkiem i „żyłkami” z czerwonej nici, która wcisnęła się pod połamany stół.

Nasz wybór: Saatchi Art — Original Works & Limited Edition Prints — Największa internetowa galeria oryginalnej sztuki współczesnej — ogromny wybór, ale za to płacisz..

Przed nią niektóre połączone przegubowo kawałki drewna przypominają parę nóg w postawie częściowo ochronnej, a częściowo spanikowanej, obute w męskie buty z rozwiązanymi sznurowadłami. Z boku stoi małe dziecko z za dużą głową w formie pompona, smutny świadek tego wszystkiego. Przez to wszystko przenikają narracje współczujące rozpadowi rodziny.

Wybór materiałów nie jest tu przypadkowy. Rajstopy, kapok, sznurek, nić, zepsuty stół i para męskich butów – wszystko to jest domowe, tanie i nasycone znaczeniem. Niosą w sobie pozostałości ciała i domu. Skalując je i łącząc na nowo, Williams zamienia przedmioty codziennego użytku w coś na kształt scenografii do domowego dramatu – a tytuł, zapożyczony od nazwy handlowej leku przeciwdepresyjnego, zakotwicza ten dramat w języku zdrowia psychicznego.

Wyobrażam sobie Jade Simpson jako artystkę, która wierci się i bawi różnymi rzeczami, przesuwając tkaniny przez dłonie, zbierając dziwne przedmioty, trzymając je na różne sposoby i oglądając pod różnymi kątami. Dopóki nie wydarzy się coś nieoczekiwanego – i cennego.

Jej rzeźba The Spirit Collection to imponująca grupa hybrydowych zwierząt o wysokości ponad dwóch metrów, wykonana poprzez drapowanie tkanin na drewnie i tekturze. Jest tam niedźwiedź polarny-wąż, dzik-świerszcz-żaba, mors-szpak, a przede wszystkim ulubiona ze wszystkich mewa z drewnianymi wieszakami na ubrania zamiast dzioba i pazurów. Z jednej strony stworzenia te mają ogromny urok, z drugiej budzą lęk: The Spirit Collection wydaje się być zarówno komentarzem do ludzkiego sentymentalizmu, jak i zapowiedzią natury mściwej.

Obu artystów łączy metoda, którą warto nazwać, ponieważ powraca ona na całej wystawie: improwizacja z tanich, znalezionych i domowych materiałów. Jest to strategia zrodzona częściowo z konieczności – absolwenci rzadko dysponują budżetem – ale jest to także wybór estetyczny o długiej tradycji w rzeźbie brytyjskiej, od nurtów asamblażu XX wieku aż po współczesność. Kompromis jest realny: takie prace mogą być kruche, trudne w transporcie i trudne do sprzedania, ale mogą też nieść ze sobą intymność i bezpośredniość, której rzadko dorównują obiekty odlewane lub prefabrykowane.

Przeciwgłos: ironia i odnaleziony obraz

W New Art West Midlands panuje wiele emocji, a praca Jamesa Turnera John Millais jawi się jako przeciwwaga dla nich. Artysta zamocował pozytyw obrazu słynnego, pełnego emocji dzieła Millaisa The Blind Girl na lightboxie. Głowę niewidomej dziewczyny zastępuje głowa „Azteka”, a wzorzyste zawijasy owijają się wokół niej i wchodzą w oczy jej towarzysza. Co więcej, dodatki te rozświetlają się w sekwencji kolorów, dając efekt szafy grającej Wurlitzer.

Ten zabieg jest sprytny, ponieważ uderza w emocjonalną maszynerię oryginału. The Blind Girl Johna Everetta Millaisa to jeden z najbardziej sentymentalnych obrazów w brytyjskim kanonie – podwójna tęcza, uboga dziewczyna, kolana pełne kwiatów. Turner go nie niszczy; on go „odgrywa” na nowo, zamieniając obraz w lightbox, a lightbox w atrakcję z wesołego miasteczka. Sentymentalizm przetrwał, ale teraz jest wyraźnie wyprodukowany, a widz zostaje zaproszony do zauważenia, jak łatwo daje się poruszyć.

W przypadku wystaw zbiorowych tego rodzaju przeciwwaga jest niezbędna. Wystawa złożona w całości z robionych z sercem, ręcznie wykonanych przedmiotów ryzykuje popadnięcie w monotonię. Chłodniejsza, bardziej konceptualna obecność daje emocjonalnym pracom punkt odniesienia, od którego mogą się odepchnąć – i pozwala odwiedzającemu zmienić rejestr.

Jak patrzeć na wystawę absolwentów

Jeśli odwiedzasz taką wystawę – czy to jako ciekawy się sprawą członek publiczności, student, kurator czy kolekcjoner – kilka praktycznych nawyków sprawi, że zyskasz z niej znacznie więcej.

• Idź dwa razy, jeśli możesz. Pierwsze wrażenia na wystawie zbiorowej są zdominowane przez prace najgłośniejsze. Te cichsze często dostrzega się dopiero przy drugim przejściu.
• Przeczytaj etykiety, a następnie je zignoruj. Tytuły i wykazy materiałów są dowodami, a nie instrukcjami. Fluoksetyna mówi ci coś; nie mówi ci wszystkiego.
• Zapytaj, z czego wykonana jest praca i dlaczego. Wybór materiałów rzadko jest neutralny, zwłaszcza przy napiętym budżecie.
• Zwróć uwagę na instalację. Sposób, w jaki dzieło jest oświetlone, rozmieszczone i uporządkowane, jest częścią jego znaczenia, a w przypadku wystawy w wielu miejscach to samo dzieło może być odczytywane inaczej w różnych pomieszczeniach.
• Śledź artystów później. Wartością takiej prezentacji jest to, co dzieje się potem: kolejna wystawa, rezydencja, grupa studyjna, pierwsza sprzedaż.

Dla kolekcjonerów rachunek jest znów inny. Prace artystów, którzy niedawno ukończyli studia, są zazwyczaj najbardziej przystępnym punktem wejścia w praktykę współczesną, ale wiążą się z pewnymi zastrzeżeniami: nakłady mogą być niewielkie lub nieokreślone, materiały mogą być niestabilne, a trajektoria artysty jest autentycznie nieznana. Wczesny zakup to w równym stopniu zakład o osobę, co o przedmiot – właśnie dlatego zobaczenie dzieła na żywo, a nie w Internecie, ma tak duże znaczenie.

Kwestia publiczności

Kiedy ty i ja odwiedzamy wystawy, jesteśmy publicznością, którą artyści po prostu muszą mieć, nie tylko w kwestii psychologicznego przetrwania – a nigdy bardziej niż na tym zawrotnym, wczesnym etapie ich kariery. New Art West Midlands, ze swoją głębią i szerokością talentów, zasługuje na naszą żarliwą uwagę.

To nie jest prośba o uprzejmość. To opis tego, jak faktycznie działa ta ekologia. Artyści potrzebują widzów, krytycy potrzebują artystów, galerie potrzebują obu tych grup, a kolekcjonerzy potrzebują, aby cały łańcuch był widoczny i czytelny. Regionalna prezentacja jest jednym z niewielu miejsc, gdzie wszystkie te role na krótko zajmują to samo pomieszczenie. Przyjście nie jest aktem pasywnym; jest uczestnictwem.

Szczegóły i kontekst wystawy

Wystawa 2015 — 13 listopada – 23 grudnia. Wystawa SALON prezentuje sztukę współczesną na sprzedaż w Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery.

Wystawa 2016 — 12 lutego – 15 maja. Wystawa wybranych absolwentów z West Midlands, która odbywa się w różnych miejscach w całym regionie między lutym a majem każdego roku. Wystawę New Art West Midlands 2016 wyselekcjonowali Sonia Boyce, John Stezaker i Katharine Stout; prezentuje ona prace 43 artystów.

Już sama obecność selekcjonerów tego kalibru jest znacząca. Boyce, Stezaker i Stout wnoszą odmienną wrażliwość – odpowiednio: praktykę zakorzenioną w czarnej brytyjskiej sztuce i kuratorstwie, konceptualne zaangażowanie w znalezione obrazy i kolaż oraz perspektywę kuratorską ze strony instytucjonalnej. Rezultatem jest wybór, który nie jest ani czysto akademicki, ani czysto rynkowy, a właśnie taka powinna być tego rodzaju prezentacja.

Często zadawane pytania

Czym jest New Art West Midlands?

Jest to program wystawienniczy w wielu lokalizacjach, który promuje nowo debiutujących artystów z West Midlands, zazwyczaj niedawnych absolwentów sztuk pięknych. Odbywa się w różnych miejscach w regionie między lutym a majem każdego roku, wraz z towarzyszącą wystawą sztuki współczesnej na sprzedaż SALON. Jego celem jest zapewnienie wschodzącym artystom pierwszej znaczącej platformy publicznej.

Kto wybiera artystów do New Art West Midlands?

Wystawa jest selekcjonowana przez zaproszonych artystów i kuratorów, a nie wyłącznie na podstawie otwartych zgłoszeń. Edycja z 2016 roku została wybrana przez Sonię Boyce, Johna Stezakera i Katharine Stout i zaprezentowała prace 43 artystów. Edycja 2015 pokazała 30 nowo debiutujących artystów.

Dlaczego okres po szkole artystycznej jest dla artystów tak trudny?

Ponieważ struktura wsparcia oferowana podczas studiów – pracownia, sprzęt, technicy, rówieśnicy, terminy i publiczność – znika niemal z dnia na dzień. Absolwenci muszą jednocześnie znaleźć źródło dochodu, miejsce do pracy i zbudować profesjonalną sieć kontaktów, często dźwigając długi studenckie. Wielu przestaje w tym okresie tworzyć, nie z braku talentu, lecz z braku infrastruktury.

Jak powinienem podejść do wystawy zbiorowej wschodzących artystów?

Powoli i więcej niż raz. Powstrzymaj chęć natychmiastowego rozstrzygnięcia, które prace ci się podobają. Przeczytaj etykiety z materiałami i tytułami, a następnie spójrz ponownie na samo dzieło. Zwróć uwagę na to, jak prace są zainstalowane i uporządkowane, i zanotuj nazwiska dwóch lub trzech artystów, których twórczość zapadła ci w pamięć, abyś mógł śledzić ich dalsze losy.

Czy mogę kupić prace na takiej wystawie?

Często tak – wystawa SALON w Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery, jest wprost prezentacją sztuki współczesnej na sprzedaż. Ceny prac niedawnych absolwentów znajdują się zazwyczaj na bardziej przystępnym poziomie rynkowym, jednak należy pamiętać, że nakłady mogą być nieokreślone, a niektóre materiały mogą być z czasem kruche lub niestabilne.

Co właściwie daje taka recenzja?

Umieszcza ona dzieło w szerszych ramach – historii sztuki, psychologii, ekonomii wczesnej kariery artysty – i rejestruje moment w życiu kulturalnym regionu. Recenzje pełnią także funkcję wspierającą: mówią artystom, że ich prace zostały uważnie przyjrzały, a publiczności, że warto poświęcić czas na ich zobaczenie.

---

Angela Kingston Kurator i autorka tekstów o sztukach wizualnych http://www.angelakingston.co.uk

Editorial: recenzja wystawy Shock and Awe Barbary Walker autorstwa Andrew Jacksona (piątek, 13 maja 2016 r.); Trevor Pitt i Preston Street Union (środa, 13 kwietnia 2016 r.).

Subskrypcja: Friends of New Art WM — jeśli chcesz być na bieżąco ze sztuką współczesną w regionie lub interesujesz się kupowaniem i kolekcjonowaniem, dołącz do naszej listy mailingowej. Curators’ Network — jeśli jesteś kuratorem lub profesjonalistą w dziedzinie sztuk wizualnych i interesujesz się krajobrazem sztuki współczesnej w West Midlands, dołącz do naszej listy mailingowej.

Dalsza lektura

• Bedwyr Williams — Wikipedia
• Sigmund Freud — Wikipedia
• John Everett Millais — Wikipedia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipedia