Angela Kingston recensisce New Art West Midlands 2015

Il primo anno o i primi due dopo aver conseguito una laurea in belle arti sono critici. Gli studenti mettono tutto ciò che hanno nella loro mostra finale e hanno supporto, attrezzature e cameratismo. E poi…

…la terra scompare da sotto i piedi. Ora devono farcela da soli come artisti. È qualcosa che ho vissuto io stesso: come un personaggio dei cartoni animati dei Looney Toons che è corso oltre il bordo di una scogliera, sospeso a mezz’aria, mentre prende coscienza di ciò che accade, con le dita dei piedi che cercano disperatamente qualcosa che impedisca la caduta. E per i laureati di oggi, non da ultimo a causa dei loro debiti, il canyon su cui incombono è sempre più profondo e ampio.

New Art West Midlands è una mostra multi-sede che ha preso 30 artisti appena lanciati della regione e ha dato loro un prezioso punto d’appoggio. Per il visitatore, la ricompensa è una sorta di mostra-come-giornale: la possibilità di vedere il “qui e ora” dell’arte visiva contemporanea.

Punti chiave

• New Art West Midlands funziona come un ponte tra la scuola d’arte e la pratica professionale, offrendo ai neolaureati una prima seria piattaforma pubblica in più sedi regionali.
• L’edizione 2015 ha presentato 30 artisti appena lanciati; l’edizione 2016, selezionata da Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout, ha presentato le opere di 43 artisti.
• Le opere in mostra premiano una visione lenta, a un secondo sguardo: diverse opere (Squid di Megan Sheridan, John Millais di James Turner) ingannano deliberatamente l’occhio prima di risolversi in qualcos’altro.
• Il registro emotivo della mostra è insolitamente ampio, dal tableau del crollo familiare di Lisa-Marie Williams agli interventi più freddi e concettuali di James Turner.
• Per collezionisti e curatori, la mostra annuale è uno strumento di ricerca: un modo per osservare i talenti emergenti della regione prima che vengano ampiamente esposti o quotati.

Perché è importante il momento post-laurea

Il divario tra la laurea e una pratica sostenibile è il tratto più precario nella vita di un artista. Durante il percorso di studi, l’infrastruttura è invisibile perché è ovunque: uno studio per cui non devi pagare, tecnici a disposizione, un gruppo di pari con cui discutere, scadenze imposte dall’esterno e una mostra finale con un pubblico integrato di tutor, familiari e curatori in visita. Rimuovete tutto questo in una volta e la perdita non è solo pratica, ma psicologica.

Ciò che lo sostituisce, per la maggior parte dei laureati, è un patchwork: una camera da letto o uno studio condiviso, un lavoro part-time e una disciplina autoimposta che deve essere costruita da zero. Se si aggiungono il debito studentesco e l’aumento degli affitti degli studi in città come Birmingham, il calcolo diventa brutale.

Questo è il contesto in cui un progetto come New Art West Midlands diventa importante. Non risolve il problema strutturale, ma interrompe il silenzio esattamente nel momento in cui è più probabile che un artista smetta del tutto di produrre opere.

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Vale la pena essere precisi su ciò che tale opportunità fornisce e non fornisce:

• Fornisce: una scadenza, un processo di selezione professionale, un luogo pubblico, una riga sul CV e — cosa fondamentale — un gruppo di pari composto da altri artisti nella stessa fase.
• Fornisce: l’esperienza di installare l’opera in uno spazio che non sia uno studio, che è una competenza distinta dalla sua creazione.
• Non fornisce: reddito, spazio studio o una garanzia di rappresentanza. Questi rimangono problemi che l’artista deve risolvere autonomamente.

Comprendere questa distinzione fa parte della maturazione come professionista. Una mostra collettiva è una piattaforma, non una carriera.

Lettura dell’opera: un capitolo di una graphic novel

Sono rapito da un capitolo di una graphic novel di Shijie Hai intitolato Sleep Paralysis. Raccontato dal punto di vista dell’artista, descrive lo stato di essere semi-svegli e tuttavia completamente incapaci di muoversi.

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Molte delle singole vignette della storia sono piene di oscurità totale, o di motivi taglienti e psichedelici, o di un paralume che si moltiplica sul soffitto. Nella vignetta finale c’è un appello inquietante: “Ricorda, l’ultima volta/ se vedi le mie dita trasformarsi in oro/ devi svegliarmi”.

Lo stato onirico dell’artista ha stravolto il tempo e la logica, e ha anche fornito una sorta di enigma. E come proposto da Sigmund Freud, fenomeni come i sogni e l’arte, così come gli enigmi o le barzellette, contengono meccanismi che ci permettono di guardare nell’inconscio.

Le dita che si trasformano in oro? Se presa alla lettera come carne e ossa che diventano metallo, la strana frase di Shijie Hai riguarda sicuramente anche quel desiderio ardente che gli artisti hanno di trasformare ciò che hanno tra le mani in qualcosa con un nuovo significato – una trasformazione misteriosa che per loro è preziosa come l’oro.

“Devi svegliarmi”? Quest’ultima frase dell’opera mi sembra legata alla condizione dell’artista che ha bisogno di un pubblico. Senza di esso, fare arte è una strada a senso unico, un vicolo cieco – una sorta di paralisi.

Vale la pena soffermarsi su questa lettura, perché nomina qualcosa che la mostra nel suo insieme mette in atto. La graphic novel è una forma che dipende dal fatto che il lettore giri le pagine; l’opera d’arte è incompleta finché non arriva qualcuno. Lo stesso vale per ogni pezzo della mostra. Il pubblico non è un consumatore passivo dell’opera, ma una sua componente necessaria.

L’alchimia del secondo sguardo

La pressione del dito di Megan Sheridan sul pulsante di scatto della sua macchina fotografica ha prodotto esattamente il tipo di alchimia a cui allude il sogno di Shijie Hai, e la sua fotografia, intitolata Squid, attira sicuramente la mia attenzione – e quella di altre persone, come ho notato visitando la mostra. C’è un alieno spaziale arancione brillante, con una testa sporgente, occhi socchiusi e un arto anteriore biforcuto.

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Ma guardate meglio, e la fotografia è in realtà quella di un pescivendolo, con una coppia di calamari appesi davanti al viso, il braccio sinistro distorto perché colto a metà di un movimento, l’illuminazione artificiale che rende i colori strani, da fantascienza. È gloriosamente bizzarro e inquietante. Uno dei selezionatori, Bedwyr Williams, scrive che “mi ha fatto raddrizzare a sedere e mi ha fatto venire la nausea allo stesso tempo”.

Questo doppio sguardo è una lente utile per l’intera mostra. Diverse opere qui sono costruite su un ritardo deliberato tra la prima impressione e la comprensione:

• Megan Sheridan, Squid — si legge come fantascienza, si risolve in un documentario.
• James Turner, John Millais — si legge come un’immagine preraffaellita familiare, si risolve in un intervento dai colori da jukebox.
• Jade Simpson, The Spirit Collection — si legge come un peluche, si risolve in qualcosa di più predatorio.

Questo non è un artificio. È un modo per rendere lo spettatore consapevole delle proprie abitudini di visione: i presupposti che porta con sé e la rapidità con cui è disposto a rivederli. Per chiunque stia imparando a scrivere di opere contemporanee o a collezionarle, la lezione pratica è semplice: non fidarsi mai di un primo sguardo e chiedersi sempre cosa l’opera stia facendo a voi prima di decidere cos’è.

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Materiali ordinari, peso straordinario

Lisa Marie Williams dimostra una consumata abilità nel combinare gli oggetti e i materiali più comuni per creare il proprio tipo di oro: sculture che pulsano di umanità. All’epicentro del suo tableau, Fluoxetine – dal nome di un farmaco per la depressione e il disturbo ossessivo-compulsivo – è un gigantesco “seno”, fatto di collant imbottiti di kapok con cordoncini blu e “vene” di filo rosso, che si è incastrato sotto un tavolo rotto.

Di fronte a questo, alcuni segmenti di legno snodati ricordano un paio di gambe, in una posa in parte protettiva, in parte panicata, calzate con scarpe da uomo i cui lacci sono slacciati. Da un lato, c’è un bambino minuscolo con una testa a pompon sovradimensionata, triste testimone di tutto ciò. Narrazioni empatiche verso il tracollo familiare filtrano attraverso e attorno a tutto l’insieme.

La scelta dei materiali qui non è casuale. Collant, kapok, cordoncini, filo, un tavolo rotto e un paio di scarpe da uomo sono tutti elementi domestici, economici e carichi di significato.

Portano con sé i residui del corpo e della casa. Ingrandendoli e ricombinandoli, Williams trasforma l’arredo della vita quotidiana in qualcosa di più simile a una scenografia per un dramma domestico – e il titolo, preso in prestito dal nome commerciale di un antidepressivo, ancora quel dramma nel linguaggio della salute mentale.

Immagino Jade Simpson come un’artista che giocherella e manipola le cose, facendo scorrere la stoffa tra le mani, raccogliendo oggetti strani, tenendoli in modi diversi ed esaminandoli da varie angolazioni. Finché non accade qualcosa di inaspettato – e prezioso.

La sua scultura The Spirit Collection è un imponente gruppo di animali compositi, alti più di due metri, realizzati drappeggiando tessuti su legno e cartone. C’è un serpente-orso polare, un cinghiale-grillo-rana, un tricheco-storno e, il preferito di tutti, un gabbiano con grucce di legno per becco e artigli. Da un lato, le creature esercitano un enorme fascino, dall’altro spaventano: The Spirit Collection sembra essere sia un commento sul sentimentalismo umano sia un presagio della natura vendicativa.

Entrambi gli artisti condividono un metodo che vale la pena nominare, perché ricorre in tutta la mostra: l’improvvisazione con materiali economici, trovati e domestici. È una strategia nata in parte per necessità – i neolaureati raramente hanno budget – ma è anche una scelta estetica con una lunga stirpe nella scultura britannica, dalle tradizioni dell’assemblage del ventesimo secolo fino ai giorni nostri. Il compromesso è reale: tali opere possono essere fragili, difficili da trasportare e difficili da vendere, ma possono anche portare con sé un’intimità e un’immediatezza che gli oggetti fusi o fabbricati raramente eguagliano.

Una controvoce: l’ironia e l’immagine ritrovata

C’è molta emozione in New Art West Midlands, e l’opera di James Turner John Millais si presenta come un contrappunto a ciò. Ha montato una trasparenza del famoso e commovente dipinto di Millais, The Blind Girl, su una lightbox. Una testa “azteca” sostituisce quella della ragazza cieca, e ghirigori decorati la avvolgono ed entrano negli occhi del suo compagno. Inoltre, queste aggiunte si illuminano in una sequenza di colori, dando l’effetto di un jukebox Wurlitzer.

La mossa è intelligente perché prende di mira l’ingranaggio emotivo dell’originale. The Blind Girl di John Everett Millais è una delle immagini più sentimentali del canone britannico: un doppio arcobaleno, una ragazza indigente, un grembo pieno di fiori. Turner non la distrugge; la riproduce, trasformando un dipinto in una lightbox e una lightbox in un’attrazione da luna park. Il sentimento sopravvive, ma ora è visibilmente fabbricato, e lo spettatore è invitato a notare con quanta facilità si lasci commuovere.

Per una mostra collettiva, questo tipo di contrappeso è essenziale. Una mostra composta interamente da oggetti sentiti e fatti a mano rischia di diventare monotona. Una presenza più fresca e concettuale dà all’opera emotiva qualcosa contro cui opporsi — e offre al visitatore un cambio di registro.

Come guardare una vetrina di laureati

Se stai visitando una mostra come questa — che tu sia un membro curioso del pubblico, uno studente, un curatore o un collezionista — alcune abitudini pratiche ti permetteranno di trarne molto di più.

• Vai due volte, se puoi. Le prime impressioni in una mostra collettiva sono dominate dalle opere più rumorose. Quelle più silenziose spesso si notano solo a un secondo passaggio.
• Leggi le etichette, poi ignorale. I titoli e gli elenchi dei materiali sono prove, non istruzioni. Fluoxetina ti dice qualcosa; non ti dice tutto.
• Chiedi di cosa è fatta l’opera e perché. La scelta dei materiali è raramente neutrale, soprattutto quando i budget sono limitati.
• Nota l’installazione. Il modo in cui un’opera è illuminata, distanziata e sequenziata fa parte del suo significato, e in una mostra in più sedi la stessa opera può essere letta in modo diverso in stanze diverse.
• Segui gli artisti in seguito. Il valore di una vetrina è ciò che accade dopo: la prossima mostra, la residenza, il gruppo di studio, la prima vendita.

Per i collezionisti, il calcolo è ancora diverso. Le opere di artisti neolaureati sono tipicamente il punto di ingresso più accessibile nella pratica contemporanea, ma presentano alcune avvertenze: le edizioni possono essere piccole o indefinite, i materiali possono essere instabili e la traiettoria dell’artista è genuinamente sconosciuta. Acquistare presto è una scommessa su una persona tanto quanto su un oggetto — ed è proprio per questo che vedere l’opera dal vivo, piuttosto che online, è così importante.

La questione del pubblico

Quando tu ed io visitiamo le mostre, siamo il pubblico di cui gli artisti hanno semplicemente bisogno, non da ultimo in termini di sopravvivenza psicologica – e mai più che in questa vertiginosa fase iniziale della loro carriera. New Art West Midlands, con la sua profondità e ampiezza di talento, merita la nostra avida attenzione.

Questa non è una richiesta di cortesia. È una descrizione di come funziona effettivamente l’ecologia. Gli artisti hanno bisogno di spettatori, i critici hanno bisogno di artisti, le gallerie hanno bisogno di entrambi e i collezionisti hanno bisogno che l’intera catena sia visibile e leggibile. Una vetrina regionale è uno dei pochi luoghi in cui tutti questi ruoli occupano brevemente la stessa stanza. Presentarsi non è un atto passivo; è partecipazione.

Dettagli e contesto della mostra

Mostra 2015 — 13 novembre – 23 dicembre. La mostra SALON presenta arte contemporanea in vendita presso la Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery.

Mostra 2016 — 12 febbraio – 15 maggio. Una mostra selezionata di laureati delle West Midlands che si svolge in varie sedi in tutta la regione tra febbraio e maggio di ogni anno. La mostra New Art West Midlands 2016 è stata selezionata da Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout e presenta opere di 43 artisti.

La presenza di selezionatori di tale calibro è di per sé significativa. Boyce, Stezaker e Stout portano ciascuno una sensibilità distinta — rispettivamente, una pratica radicata nell’arte e nella curatela Black British, un impegno concettuale con immagini trovate e collage, e una prospettiva curatoriale dal lato istituzionale. Il risultato è una selezione che non è né puramente accademica né puramente guidata dal mercato, che è esattamente ciò che una vetrina di questo tipo dovrebbe essere.

Domande frequenti

Cos’è New Art West Midlands?

È un programma espositivo multi-sede che mette in mostra artisti appena lanciati dalle West Midlands, tipicamente neolaureati in belle arti. Si svolge in varie sedi della regione tra febbraio e maggio di ogni anno, con una mostra SALON associata di arte contemporanea in vendita. Il suo scopo è quello di dare agli artisti emergenti una prima significativa piattaforma pubblica.

Chi seleziona gli artisti per New Art West Midlands?

La mostra è selezionata da artisti e curatori invitati, piuttosto che solo tramite candidatura aperta. L’edizione 2016 è stata selezionata da Sonia Boyce, John Stezaker e Katharine Stout, e ha presentato opere di 43 artisti. L’edizione 2015 ha presentato 30 artisti appena lanciati.

Perché il periodo dopo la scuola d’arte è così difficile per gli artisti?

Perché la struttura di supporto di una laurea — studio, attrezzature, tecnici, colleghi, scadenze e pubblico — scompare quasi da un giorno all’altro. I laureati devono contemporaneamente trovare un reddito, trovare spazio per lavorare e costruire una rete professionale, spesso mentre sostengono debiti studenteschi. Molti smettono di produrre opere in questo periodo, non per mancanza di talento, ma per mancanza di infrastrutture.

Come dovrei approcciare una mostra collettiva di artisti emergenti?

Lentamente, e più di una volta. Resisti alla tentazione di decidere immediatamente quali opere ti piacciono. Leggi le etichette per materiali e titoli, quindi guarda di nuovo l’opera stessa. Presta attenzione a come i pezzi sono installati e sequenziati, e nota i nomi di due o tre artisti le cui opere ti colpiscono, così da poter seguire ciò che faranno in seguito.

Posso acquistare opere da una vetrina come questa?

Spesso sì: la mostra SALON alla Waterhall Gallery, Birmingham Museum & Art Gallery, è esplicitamente una vetrina di arte contemporanea in vendita. I prezzi per le opere di artisti neolaureati sono generalmente nella fascia più accessibile del mercato, ma tieni presente che le edizioni potrebbero non essere definite e alcuni materiali potrebbero essere fragili o instabili nel tempo.

Cosa fa realmente una recensione come questa?

Colloca l’opera in una cornice più ampia – storia dell’arte, psicologia, l’economia degli inizi della carriera di un artista – e registra un momento della vita culturale di una regione. Le recensioni fungono anche da forma di advocacy: dicono agli artisti che il loro lavoro è stato osservato da vicino e dicono al pubblico che l’opera vale il viaggio.

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Angela Kingston Curatrice e scrittrice di arti visive http://www.angelakingston.co.uk

Editoriale: Shock and Awe di Barbara Walker recensito da Andrew Jackson (venerdì 13 maggio 2016); Trevor Pitt e la Preston Street Union (mercoledì 13 aprile 2016).

Iscriviti: Friends of New Art WM — se sei interessato a rimanere aggiornato sull’arte contemporanea nella regione, o nell’acquisto e nel collezionismo, per favore unisciti alla nostra mailing list. Curators’ Network — se sei un curatore o un professionista delle arti visive e sei interessato al panorama dell’arte contemporanea delle West Midlands, per favore unisciti alla nostra mailing list.

Ulteriori letture

• Bedwyr Williams — Wikipedia
• Sigmund Freud — Wikipedia
• John Everett Millais — Wikipedia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipedia