Angela Kingston critique New Art West Midlands 2015

La première année ou les deux premières années après l’obtention d’un diplôme en beaux-arts sont cruciales. Les étudiants mettent tout ce qu’ils ont dans leur exposition finale et bénéficient de soutien, d’équipement et de camaraderie. Et puis…

…le sol se dérobe sous leurs pieds. Ils doivent désormais réussir par eux-mêmes en tant qu’artistes. C’est quelque chose que j’ai vécu moi-même : comme un personnage de dessin animé des Looney Toons qui aurait couru au-delà du bord d’une falaise, suspendu dans les airs, prenant conscience de sa situation, les orteils cherchant désespérément quelque chose pour empêcher ma chute.

Et pour les étudiants diplômés d’aujourd’hui, notamment à cause de leurs dettes, le canyon qu’ils surplombent est toujours plus profond et plus large.

New Art West Midlands est une exposition multi-sites qui a réuni 30 artistes nouvellement lancés de la région et leur a offert un précieux point d’appui. Pour le visiteur, la récompense est une sorte d’exposition-journal : la chance de voir l’art visuel contemporain ici et maintenant.

Points clés à retenir

• New Art West Midlands fonctionne comme un pont entre l’école d’art et la pratique professionnelle, offrant aux jeunes diplômés une première plateforme publique sérieuse dans plusieurs lieux régionaux.
• L’édition 2015 a présenté 30 artistes nouvellement lancés ; l’édition 2016, sélectionnée par Sonia Boyce, John Stezaker et Katharine Stout, présentait les œuvres de 43 artistes.
• Les œuvres exposées récompensent un regard lent, un second examen : plusieurs pièces (Squid de Megan Sheridan, John Millais de James Turner) trompent délibérément l’œil avant de se révéler être autre chose.
• Le registre émotionnel de l’exposition est inhabituellement large, du tableau de la rupture familiale de Lisa-Marie Williams aux interventions plus froides et plus conceptuelles de James Turner.
• Pour les collectionneurs et les conservateurs, l’exposition annuelle est un outil de recherche — un moyen de découvrir les talents émergents de la région avant qu’ils ne soient largement exposés ou cotés.

Pourquoi le moment post-diplôme est important

L’écart entre l’obtention du diplôme et une pratique durable est la période la plus précaire de la vie d’un artiste. Pendant les études, l’infrastructure est invisible car elle est partout : un studio que vous n’avez pas à payer, des techniciens à portée de main, une cohorte avec laquelle débattre, des échéances imposées de l’extérieur et une exposition finale avec un public intégré de tuteurs, de familles et de conservateurs invités. Supprimez tout cela d’un coup et la perte n’est pas seulement pratique, mais psychologique.

Ce qui le remplace, pour la plupart des diplômés, est un patchwork : une chambre ou un studio partagé, un travail à temps partiel et une discipline auto-imposée qui doit être fabriquée à partir de zéro. Ajoutez à cela la dette étudiante et la hausse des loyers des studios dans des villes comme Birmingham, et le calcul devient brutal.

Connexes : Artfinder — Independent Artist Marketplace — Marché basé au Royaume-Uni, construit autour d'artistes indépendants, avec une gamme de prix véritablement large..

C’est dans ce contexte qu’un projet comme New Art West Midlands est important. Il ne résout pas le problème structurel, mais il interrompt le silence exactement au moment où un artiste est le plus susceptible de cesser complètement de créer.

Il convient d’être précis sur ce qu’une telle opportunité apporte et n’apporte pas :

• Elle apporte : une échéance, un processus de sélection professionnel, un lieu public, une ligne sur un CV et — surtout — un groupe de pairs composé d’autres artistes au même stade.
• Elle apporte : l’expérience de l’installation d’une œuvre dans un espace hors studio, ce qui est une compétence distincte de sa création.
• Elle n’apporte pas : de revenus, d’espace de studio ou de garantie de représentation. Cela reste un problème que l’artiste doit résoudre lui-même.

Comprendre cette distinction fait partie de la maturation en tant que praticien. Une exposition collective est une plateforme, pas une carrière.

Coup de cœur des lecteurs : Singulart — Curated Emerging Artist Gallery — Une galerie en ligne organisée pour les artistes émergents, avec un véritable conseiller artistique humain à votre disposition..

Lecture de l’ouvrage : un chapitre de roman graphique

Je suis captivé par un chapitre d’un roman graphique de Shijie Hai intitulé Sleep Paralysis. Raconté du point de vue de l’artiste, il dépeint l’état d’être à moitié éveillé et pourtant complètement incapable de bouger.

De nombreuses cases individuelles de l’histoire sont remplies d’une obscurité totale, de motifs psychédéliques tranchants ou d’un abat-jour qui se multiplie au plafond. Dans la dernière case, il y a un appel obsédant : « Souviens-toi, la dernière fois / si tu vois mes doigts se transformer en or / tu dois me réveiller ».

L’état de rêve de l’artiste a bouleversé le temps et la logique, et a également fourni une sorte d’énigme. Et comme le proposait Sigmund Freud, des phénomènes tels que les rêves et l’art, ainsi que les énigmes ou les plaisanteries, contiennent des mécanismes qui nous permettent d’explorer l’inconscient.

Des doigts qui se transforment en or ? Au premier degré, il s’agit de chair et d’os devenant métal, mais l’étrange phrase de Shijie Hai évoque sûrement aussi ce désir ardent des artistes de transformer ce qu’ils ont entre les mains en quelque chose ayant une nouvelle signification — une transformation mystérieuse qui, pour eux, est aussi précieuse que l’or. « Tu dois me réveiller » ?

Cette dernière phrase de l’œuvre me semble liée au dilemme des artistes qui ont besoin d’un public. Sans lui, créer de l’art est une rue à sens unique, une impasse — une sorte de paralysie.

Cette lecture mérite qu’on s’y attarde, car elle nomme quelque chose que l’exposition dans son ensemble met en œuvre. Le roman graphique est une forme qui dépend du lecteur tournant les pages ; l’œuvre d’art est incomplète jusqu’à ce que quelqu’un arrive. Il en va de même pour chaque pièce de l’exposition. Le public n’est pas un consommateur passif de l’œuvre, mais une composante nécessaire de celle-ci.

Connexes : Rise Art — Limited Editions & Art Rental Subscription — Achetez des éditions limitées ou louez de l'art contemporain avec un abonnement mensuel..

L’alchimie du second regard

La pression du doigt de Megan Sheridan sur le déclencheur de son appareil photo a produit précisément le genre d’alchimie à laquelle fait allusion le rêve de Shijie Hai, et sa photographie, intitulée Squid, attire certainement mon attention – et celle d’autres personnes, comme je l’ai remarqué en visitant l’exposition. On y voit un extraterrestre orange vif, avec une tête bombée, des yeux tombants et un membre antérieur fourchu.

Mais regardez à nouveau, et la photo est en fait celle d’un poissonnier, avec une paire de calmars suspendus devant son visage, son bras gauche déformé car saisi en plein mouvement, un éclairage artificiel rendant les couleurs étranges, dignes de la science-fiction. C’est glorieusement bizarre et troublant. L’un des sélectionneurs, Bedwyr Williams, écrit que cela « m’a fait me redresser et me sentir malade en même temps ».

Ce double regard constitue un prisme utile pour l’ensemble de l’exposition. Plusieurs œuvres ici sont construites sur un décalage volontaire entre la première impression et la compréhension :

Notre sélection : Saatchi Art — Original Works & Limited Edition Prints — La plus grande galerie en ligne d'art contemporain original : un choix immense, mais vous payez pour cela..

• Megan Sheridan, Squid — se lit comme de la science-fiction, se résout en documentaire.
• James Turner, John Millais — se lit comme une image préraphaélite familière, se résout en une intervention aux couleurs de juke-box.
• Jade Simpson, The Spirit Collection — se lit comme une peluche, se résout en quelque chose de plus prédateur.

Ce n’est pas un gadget. C’est une façon de faire prendre conscience au spectateur de ses propres habitudes de regard — les hypothèses qu’il apporte, et la rapidité avec laquelle il est prêt à les réviser. Pour quiconque apprend à écrire sur l’art contemporain ou à collectionner des œuvres, la leçon pratique est simple : ne vous fiez jamais au premier coup d’œil, et demandez-vous toujours ce que l’œuvre vous fait avant de décider de ce qu’elle est.

Matériaux ordinaires, poids extraordinaire

Lisa Marie Williams fait preuve d’une habileté consommée en combinant les objets et les matériaux les plus ordinaires pour créer son propre type d’or : des sculptures qui palpitent d’humanité. À l’épicentre de son tableau, Fluoxetine – nommée d’après un médicament contre la dépression et les troubles obsessionnels compulsifs – est un « sein » gargantuesque, fait de collants rembourrés de kapok avec des « veines » de cordon bleu et de fil rouge, qui s’est coincé sous une table cassée. Devant celui-ci, quelques morceaux de bois articulés ressemblent à une paire de jambes, à la posture en partie protectrice, en partie paniquée, chaussées de chaussures d’homme dont les lacets sont défaits.

D’un côté, il y a un petit enfant avec une tête à pompon surdimensionnée, triste témoin de tout cela. Des récits sympathisant avec l’effondrement familial s’infiltrent à travers et autour de l’ensemble.

Le choix des matériaux ici n’est pas fortuit. Collants, kapok, cordon, fil, une table cassée et une paire de chaussures pour hommes sont tous domestiques, bon marché et chargés de sens.

Ils portent les résidus du corps et du foyer. En les agrandissant et en les recombinant, Williams transforme le mobilier de la vie quotidienne en quelque chose de plus proche du décor d’un drame domestique – et le titre, emprunté au nom de marque d’un antidépresseur, ancre ce drame dans le langage de la santé mentale.

J’imagine Jade Simpson comme une artiste qui s’agite et tripote les objets, faisant glisser le tissu entre ses mains, rassemblant des objets hétéroclites, les tenant de différentes manières et les examinant sous divers angles. Jusqu’à ce que quelque chose d’inattendu – et de précieux – se produise.

Sa sculpture The Spirit Collection est un imposant groupe d’animaux composites, de plus de deux mètres de haut, réalisé en drapant des tissus sur du bois et du carton. Il y a un serpent-ours polaire, un sanglier-grillon-grenouille, un morse-étourneau et, mon préféré, une mouette avec des cintres en bois pour le bec et les griffes. D’un côté, les créatures ont un attrait énorme, et de l’autre, elles effraient : The Spirit Collection semble être à la fois un commentaire sur la sentimentalité humaine et un présage d’une nature vengeresse.

Les deux artistes partagent une méthode qui mérite d’être nommée, car elle revient tout au long de l’exposition : l’improvisation avec du matériel bon marché, trouvé et domestique. Il s’agit d’une stratégie née en partie de la nécessité – les diplômés ont rarement des budgets – mais c’est aussi un choix esthétique qui s’inscrit dans une longue lignée de la sculpture britannique, depuis les traditions d’assemblage du XXe siècle jusqu’à nos jours. Le compromis est réel : une telle œuvre peut être fragile, difficile à transporter et difficile à vendre, mais elle peut aussi véhiculer une intimité et une immédiateté que les objets moulés ou fabriqués égalent rarement.

Une contre-voix : l’ironie et l’image trouvée

Il y a beaucoup d’émotion dans New Art West Midlands, et l’œuvre de James Turner John Millais apparaît comme un contrepoint à cela. Il a monté un transparent du célèbre tableau émouvant de Millais, The Blind Girl, sur une boîte lumineuse. Une tête « aztèque » remplace celle de la jeune fille aveugle, et des fioritures à motifs l’entourent et pénètrent dans les yeux de son compagnon. De plus, ces ajouts s’illuminent selon une séquence de couleurs, donnant l’effet d’un juke-box Wurlitzer.

Le geste est intelligent car il cible la machinerie émotionnelle de l’original. The Blind Girl de John Everett Millais est l’une des images les plus sentimentales du canon britannique : un double arc-en-ciel, une jeune fille démunie, une brassée de fleurs. Turner ne la détruit pas ; il la rejoue, transformant un tableau en boîte lumineuse et une boîte lumineuse en attraction foraine. Le sentiment survit, mais il est désormais visiblement manufacturé, et le spectateur est invité à remarquer avec quelle facilité il est ému.

Pour une exposition collective, ce genre de contrepoids est indispensable. Une exposition entièrement composée d’objets sincères et faits à la main risque de devenir monotone. Une présence plus froide et plus conceptuelle donne à l’œuvre émotionnelle un point de résistance — et offre au visiteur un changement de registre.

Comment regarder une exposition de diplômés

Si vous visitez une exposition comme celle-ci — que ce soit en tant que membre curieux du public, étudiant, conservateur ou collectionneur — quelques habitudes pratiques vous permettront d’en tirer bien plus.

• Allez-y deux fois si vous le pouvez. Les premières impressions dans une exposition collective sont dominées par les œuvres les plus bruyantes. Les plus silencieuses ne sont souvent perçues que lors d’un deuxième passage.
• Lisez les cartels, puis ignorez-les. Les titres et les listes de matériaux sont des indices, pas des instructions. Fluoxetine vous dit quelque chose ; cela ne vous dit pas tout.
• Demandez de quoi est faite l’œuvre et pourquoi. Le choix des matériaux est rarement neutre, surtout lorsque les budgets sont serrés.
• Notez l’installation. La façon dont une œuvre est éclairée, espacée et séquencée fait partie de sa signification, et dans une exposition multi-sites, la même œuvre peut être perçue différemment selon les pièces.
• Suivez ensuite les artistes. La valeur d’une exposition de diplômés réside dans ce qui se passe ensuite : la prochaine exposition, la résidence, le groupe d’atelier, la première vente.

Pour les collectionneurs, le calcul est encore différent. Les œuvres d’artistes récemment diplômés constituent généralement le point d’entrée le plus abordable dans la pratique contemporaine, mais elles comportent des réserves : les éditions peuvent être réduites ou indéfinies, les matériaux peuvent être instables et la trajectoire de l’artiste est véritablement inconnue. Acheter tôt est un pari sur une personne autant que sur un objet — c’est précisément pourquoi voir l’œuvre en chair et en os, plutôt qu’en ligne, est si important.

La question du public

Lorsque vous et moi visitons des expositions, nous sommes le public dont les artistes ont absolument besoin, notamment pour leur survie psychologique — et jamais autant qu’à ce stade vertigineux et précoce de leur carrière. New Art West Midlands, avec la profondeur et l’étendue de son talent, mérite toute notre attention.

Ce n’est pas un appel à la politesse. C’est une description du fonctionnement réel de l’écosystème. Les artistes ont besoin de spectateurs, les critiques ont besoin d’artistes, les galeries ont besoin des deux et les collectionneurs ont besoin que toute la chaîne soit visible et lisible. Une exposition régionale est l’un des rares endroits où tous ces rôles occupent brièvement la même pièce. Se présenter n’est pas un acte passif ; c’est une participation.

Détails et contexte de l’exposition

Exposition 2015 — 13 novembre – 23 décembre. L’exposition SALON présente de l’art contemporain en vente à la Waterhall Gallery, au Birmingham Museum & Art Gallery.

Exposition 2016 — 12 février – 15 mai. Une exposition sélectionnée de diplômés des West Midlands qui se déroule dans divers lieux de la région entre février et mai chaque année. L’exposition New Art West Midlands 2016 a été sélectionnée par Sonia Boyce, John Stezaker et Katharine Stout et présente les œuvres de 43 artistes.

La présence de sélectionneurs de ce calibre est en soi significative. Boyce, Stezaker et Stout apportent chacun une sensibilité distincte — respectivement, une pratique enracinée dans l’art et le commissariat des Noirs britanniques, un engagement conceptuel avec les images trouvées et le collage, et une perspective curatoriale issue du milieu institutionnel. Le résultat est une sélection qui n’est ni purement académique ni purement marchande, ce qui est exactement ce que devrait être une exposition de ce type.

Questions fréquemment posées

Qu’est-ce que New Art West Midlands ?

Il s’agit d’un programme d’expositions multi-sites qui présente des artistes nouvellement lancés des West Midlands, généralement de récents diplômés en beaux-arts. Il se déroule dans divers lieux de la région entre février et mai chaque année, avec une exposition SALON associée d’art contemporain à vendre. Son objectif est de donner aux artistes émergents une première plateforme publique significative.

Qui sélectionne les artistes pour New Art West Midlands ?

L’exposition est sélectionnée par des artistes et commissaires invités plutôt que par simple candidature ouverte. L’édition 2016 a été sélectionnée par Sonia Boyce, John Stezaker et Katharine Stout, et présentait les œuvres de 43 artistes. L’édition 2015 présentait 30 artistes nouvellement lancés.

Pourquoi la période après l’école d’art est-elle si difficile pour les artistes ?

Parce que la structure de soutien d’un diplôme — studio, équipement, techniciens, pairs, échéances et public — disparaît presque du jour au lendemain. Les diplômés doivent simultanément trouver un revenu, un espace pour travailler et construire un réseau professionnel, souvent tout en portant une dette étudiante. Beaucoup arrêtent de produire pendant cette période, non par manque de talent, mais par manque d’infrastructures.

Comment aborder une exposition collective d’artistes émergents ?

Lentement, et plus d’une fois. Résistez à l’envie de décider immédiatement quelles œuvres vous aimez. Lisez les cartels pour les matériaux et les titres, puis examinez à nouveau l’œuvre elle-même. Prêtez attention à la façon dont les pièces sont installées et séquencées, et notez les noms de deux ou trois artistes dont le travail vous marque afin de pouvoir suivre leur évolution.

Puis-je acheter des œuvres dans une exposition comme celle-ci ?

Souvent, oui : l’exposition SALON à la Waterhall Gallery du Birmingham Museum & Art Gallery est explicitement une vitrine d’art contemporain à vendre. Les prix des œuvres d’artistes récemment diplômés se situent généralement dans la partie la plus accessible du marché, mais sachez que les éditions peuvent être indéfinies et que certains matériaux peuvent être fragiles ou instables avec le temps.

À quoi sert réellement une critique comme celle-ci ?

Elle place l’œuvre dans un cadre plus large — histoire de l’art, psychologie, économie des débuts de carrière d’un artiste — et elle consigne un moment de la vie culturelle d’une région. Les critiques fonctionnent également comme une forme de plaidoyer : elles indiquent aux artistes que leur travail a été examiné de près, et elles indiquent au public que l’œuvre vaut le détour.

---

Angela Kingston Conservatrice et écrivaine en arts visuels http://www.angelakingston.co.uk

Éditorial : Shock and Awe de Barbara Walker critiqué par Andrew Jackson (vendredi 13 mai 2016) ; Trevor Pitt et le Preston Street Union (mercredi 13 avril 2016).

S’abonner : Friends of New Art WM — si vous souhaitez rester au courant de l’art contemporain dans la région, ou acheter et collectionner, veuillez vous inscrire à notre liste de diffusion. Curators’ Network — si vous êtes conservateur ou professionnel des arts visuels et que vous vous intéressez au paysage de l’art contemporain des West Midlands, veuillez vous inscrire à notre liste de diffusion.

Lectures complémentaires

• Bedwyr Williams — Wikipédia
• Sigmund Freud — Wikipédia
• John Everett Millais — Wikipédia
• Birmingham Museum & Art Gallery — Wikipédia